История западной живописи представляет собой непрерывную, хотя и прерванную традицию от античности до наших дней. [1] До середины 19 века он был в первую очередь связан с репрезентативными и традиционными способами производства, после чего предпочтение получили более современные , абстрактные и концептуальные формы. [2]
Первоначально западная живопись служила имперскому, частному, гражданскому и религиозному покровительству, но позже нашла аудиторию среди аристократии и среднего класса. От средневековья до эпохи Возрождения художники работали на церковь и богатую аристократию. [3] Начиная с эпохи барокко художники получали частные заказы от более образованного и зажиточного среднего класса. [4] Идея « искусства ради искусства » [5] начала находить выражение в творчестве таких художников -романтиков , как Франсиско де Гойя , Джон Констебль и Дж. М. У. Тернер . [6] В 19 веке коммерческие галереи были созданы и продолжали оказывать покровительство в 20 веке. [7] [8]
Западная живопись достигла своего апогея в Европе в эпоху Возрождения, в сочетании с утонченностью рисунка, использованием перспективы , амбициозной архитектурой, гобеленами , витражами , скульптурой, а также в период до и после появления печатного станка . [9] После глубины открытий и сложности инноваций эпохи Возрождения богатое наследие западной живописи продолжалось от периода барокко до современного искусства . [10]
История живописи уходит корнями в прошлое, к артефактам доисторических художников, и охватывает все культуры. Самые старые известные картины находятся в Гроте Шове во Франции, и некоторые историки утверждают, что им около 32 000 лет. На них выгравированы и раскрашены красной охрой и черным пигментом и изображены лошади, носороги, львы, буйволы, мамонты или люди, часто охотящиеся.
Доисторические европейские наскальные рисунки имеют общие темы с другими доисторическими рисунками, найденными по всему миру; подразумевая универсальность цели и сходство импульсов, которые могли вдохновить художников на создание образов. [ нужна цитата ] Были высказаны различные предположения относительно значения, которое эти картины имели для художников, создавших их. Доисторические люди, возможно, рисовали животных, чтобы «поймать» их душу или дух и облегчить охоту на них, или картины могут представлять анимистическое видение и дань уважения окружающей природе , или же они могут быть результатом основной потребности в выражении , которая врожденные для человека, или они могут быть записями жизненного опыта художников и связанных с ними историй членов их круга.
Минойская живопись — это искусство, созданное Эгейско -Минойской цивилизацией бронзового века примерно с 3000 по 1100 год до нашей эры, хотя самые обширные и лучшие сохранившиеся произведения относятся примерно к 2300–1400 годам до нашей эры. Оно является частью более широкой группы эгейского искусства , а в более поздние периоды какое-то время оказывало доминирующее влияние на кикладское искусство . Поскольку дерево и текстиль разложились, наиболее хорошо сохранившимися (и наиболее поучительными) примерами минойского искусства являются его керамика , дворцовая архитектура (с фресками , которые включают в себя «самые ранние чистые пейзажи»), [12] небольшие скульптуры из различных материалов, ювелирные изделия, металлические сосуды и печати с замысловатой резьбой .
На него повлияли соседние культуры Древнего Египта и древнего Ближнего Востока , которые гораздо дольше создавали сложное городское искусство, но характер маленьких, но богатых торговых минойских городов был совсем другим, с небольшим количеством свидетельств крупной религии, основанной на храмах. , монархи или война, а также «вся творческая сила и детская свежесть очень молодой культуры». [13] Все эти аспекты минойской культуры остаются довольно загадочными. Синклер Худ описал «важное качество лучшего минойского искусства - способность создавать атмосферу движения и жизни, хотя и следует ряду весьма формальных условностей». [14]
Самая большая и лучшая коллекция минойского искусства находится в Археологическом музее Ираклиона («АМХ») недалеко от Кносса , на северном побережье Крита. Минойское искусство и другие остатки материальной культуры , особенно последовательность керамических стилей, использовались археологами для определения трех основных фаз минойской культуры (EM, MM, LM) и их многочисленных подфаз. Даты, которые будут к ним прикреплены, продолжают широко обсуждаться, хотя и в пределах сужающихся диапазонов. [15]
Отношения минойского искусства с искусством других современных культур, а затем и с древнегреческим искусством, широко обсуждались. Она явно доминировала в микенском искусстве и кикладском искусстве тех же периодов, [16] даже после того, как Крит был оккупирован микенцами, но лишь некоторые аспекты традиции пережили греческие темные века после распада Микенской Греции . [17]
Около 1100 г. до н. э. племена с севера Греции завоевали Грецию, и ее искусство приняло новое направление. Культура Древней Греции примечательна своим выдающимся вкладом в изобразительное искусство. Роспись древнегреческой керамики и керамики дает особенно информативное представление о том, как функционировало общество Древней Греции. До сих пор существует множество прекрасных образцов чернофигурной и краснофигурной вазописи .
Некоторые известные греческие художники, работавшие над деревянными панелями и упоминаемые в текстах, - это Апеллес , Зевксис и Паррасий ; однако, за единственным исключением панелей Питса , не сохранилось ни одного примера древнегреческой живописи, а только письменные описания их современников или более поздних римлян. Зевксис жил в V веке до нашей эры и, как говорят, был первым, кто использовал сфумато . По словам Плиния Старшего , реалистичность его картин была такова, что нарисованный виноград пытались съесть птицы. Апеллес описывается как величайший художник древности и известен совершенной техникой рисунка, ярким цветом и лепкой.
Римское искусство находилось под влиянием Греции и отчасти может считаться потомком древнегреческой живописи. Однако римская живопись имеет важные уникальные характеристики. Сохранившиеся римские картины включают настенные росписи и фрески , многие из вилл в Кампании , на юге Италии, в таких местах, как Помпеи и Геркуланум . Подобная живопись может быть сгруппирована в 4 основных «стиля» или периода [18] и может содержать первые образцы обманки , псевдоперспективы и чистого пейзажа. [19]
Почти единственные живописные портреты, сохранившиеся из древнего мира, — это большое количество гробов-портретов бюстной формы, найденных на египетском кладбище Аль-Фаюм . Хотя они не принадлежали ни к лучшему периоду, ни к высочайшему качеству, они впечатляют сами по себе и дают представление о качестве, которым должны были обладать лучшие древние произведения. Сохранилось также очень небольшое количество миниатюр из позднеантичных иллюстрированных книг и гораздо большее количество их экземпляров периода раннего средневековья.
Возникновение христианства придало стилям живописи иной дух и цели. Византийское искусство , когда его стиль утвердился к VI веку, уделяло большое внимание сохранению традиционной иконографии и стиля и постепенно развивалось в течение тысячелетий Византийской империи и живых традиций греческой и русской православной иконописи . Византийская живопись имеет иератический смысл, а иконы считались и остаются олицетворением божественного откровения. Фресок было много , но их сохранилось меньше, чем мозаик . Византийское искусство сравнивают с современной абстракцией из-за его плоскостности и сильно стилизованных изображений фигур и пейзажа. Некоторые периоды византийского искусства, особенно так называемое македонское искусство примерно X века, отличаются более гибким подходом. Фрески палеологического Возрождения начала XIV века сохранились в церкви Хора в Стамбуле.
В постантичной католической Европе первым возникшим самобытным художественным стилем, включавшим живопись, было островное искусство Британских островов, где единственными сохранившимися примерами являются миниатюры в иллюминированных рукописях , таких как Келлская книга . [20] Они наиболее известны своим абстрактным декором, хотя также изображались фигуры, а иногда и сцены, особенно на портретах евангелистов . Искусство Каролингов и Оттона также сохранилось в основном в рукописях, хотя некоторые настенные росписи сохранились, и многое другое задокументировано. Искусство этого периода сочетает в себе островное и «варварское» влияние с сильным византийским влиянием и стремлением восстановить классическую монументальность и уравновешенность.
Стены романских и готических церквей были украшены фресками , а также скульптурой, и многие из немногих сохранившихся фресок имеют большую интенсивность и сочетают в себе декоративную энергию островного искусства с новой монументальностью в обработке фигур. Гораздо больше миниатюр в иллюминированных рукописях сохранилось с того периода, демонстрируя те же характеристики, которые сохраняются и в готический период .
Панно становится более распространенным в романский период под сильным влиянием византийских икон. К середине 13 века средневековое искусство и готическая живопись стали более реалистичными, с появлением интереса к изображению объема и перспективы в Италии у Чимабуэ , а затем у его ученика Джотто . Начиная с Джотто, трактовка композиции лучшими художниками также стала гораздо более свободной и новаторской. Они считаются двумя великими средневековыми мастерами живописи в западной культуре. Чимабуэ, придерживаясь византийской традиции, использовал более реалистичный и драматический подход к своему искусству. Его ученик Джотто поднял эти новшества на более высокий уровень, что, в свою очередь, заложило основы западной традиции живописи. Оба художника были пионерами движения к натурализму.
В церквях строилось все больше и больше окон, а использование красочных витражей стало основным элементом декора. Один из самых известных примеров этого находится в соборе Нотр-Дам де Пари . К 14 веку западные общества стали богаче и культурнее, а художники нашли новых покровителей среди дворянства и даже буржуазии . Иллюминированные рукописи приобрели новый характер, в их пейзажах появились стройные, модно одетые придворные дамы. Этот стиль вскоре стал известен как международный готический стиль и доминировал с 1375 по 1425 год, при этом все большее значение приобретали темперные панно и алтарные образы.
Ренессанс (по-французски «возрождение»), культурное движение, охватывающее примерно XIV–середину 17 веков, было обусловлено гуманизмом эпохи Возрождения и изучением классических источников. В живописи в 1420-х и 1430-х годах ведущие художники Италии и Нидерландов по отдельности разработали новые способы живописи, которые позволили картинам казаться более реалистичными, чем в работах признанных художников, чей стиль называют интернациональной готикой или в некоторых случаях как проторенессанс (главным образом в Италии). Этот период, продолжавшийся примерно до 1495 года, стал известен как Раннее Возрождение .
В районе Фландрии в Нидерландах, после достижений в освещении рукописей , особенно братьев Лимбург , умерших в 1416 году, художники увлеклись осязаемым в видимом мире и начали изображать объекты чрезвычайно натуралистическим способом. [21] Принятие масляной живописи , первое использование которой на панно традиционно, но ошибочно приписывалось Яну ван Эйку , сделало возможным новое правдоподобие в изображении этого натурализма. Масляная краска уже присутствовала в работах Мельхиора Бродерлама (умершего в 1409 году), но Робер Кампен (ранее известный как Мастер Флемаля ) и ван Эйк подняли ее использование на новую высоту и использовали ее для изображения натурализма живописи. к чему они стремились. Благодаря этому новому средству художники того периода смогли создавать более насыщенные цвета с глубокими интенсивными тонами. Иллюзия сияющего света с фарфоровой отделкой характеризовала раннюю нидерландскую живопись и существенно отличала матовую поверхность темперной краски, используемой в Италии. [21]
В отличие от итальянцев, творчество которых во многом опиралось на искусство Древнего Рима, северяне сохранили стилистические остатки скульптуры и иллюминированных рукописей Средневековья (особенно ее натурализм). Другим важным нидерландским художником этого периода был Рогир ван дер Вейден , ученик Кампена, чьи композиции подчеркивали человеческие эмоции и драму, продемонстрированные, например, в его «Снятии с креста» , которое входит в число самых известных произведений 15-го века и было самая влиятельная нидерландская картина с изображением распятия Христа. Другими важными художниками были Хьюго ван дер Гус (чьи работы пользовались большим влиянием в Италии), Дирик Баутс (который был одним из первых северных художников, продемонстрировавших использование единой точки схода), [21] Петрус Кристус , Ганс Мемлинг и Жерар Давид. . В совокупности достижения живописи в Европе к северу от Альп известны как Северное Возрождение .
В живописи итальянского Возрождения искусство классической античности вдохновило стиль живописи, подчеркивающий идеал. Мазаччо приписывают успехи в линейной перспективе, изображении объема на своих фигурах и изображении эмоций на лицах своих фигур в 1420-х годах. Затем такие художники, как Паоло Уччелло , Фра Анджелико , Пьеро делла Франческа , Андреа Мантенья , Филиппо Липпи и Сандро Боттичелли , в период Раннего Возрождения , продолжавшийся примерно до 1495 года, а затем Леонардо да Винчи , Микеланджело Буонарроти и Рафаэль в эпоху Высокого Возрождения. примерно с 1495 по 1520 год подняли живопись на более высокий уровень благодаря использованию перспективы , изучению анатомии и пропорций человека , а также развитию беспрецедентного совершенства в технике рисования и живописи. Несколько более натуралистичный стиль Высокого Возрождения возник в Венеции . Художники венецианской школы , такие как Джованни Беллини , Джорджоне , Тициан и Веронезе , меньше заботились о точности рисунка, чем о богатстве цвета и единстве эффекта, которых можно было достичь при более спонтанном подходе к живописи.
Фламандские, голландские и немецкие художники Северного Высокого Возрождения, такие как Альбрехт Дюрер , Лукас Кранах , Матиас Грюневальд и Ганс Гольбейн Младший, использовали другой подход, чем их итальянские коллеги, более реалистичный и менее идеализированный. Некоторые северные художники, начиная с Дюрера в 1490-х годах, путешествовали в Италию, чтобы увидеть произведения итальянского Высокого Возрождения, и в той или иной степени включили в себя черты итальянского искусства. Поколение спустя начало жанровой живописи как темы для больших произведений началось с Питера Аэрсена и Питера Брейгеля . Более позднее поколение художников Северного Возрождения, которые побывали в Риме и переняли большую часть идеализированного подхода итальянского Возрождения, стали известны как католики .
Живопись эпохи Возрождения отражает произошедшую в этот период революцию идей и науки ( астрономии , географии ), Реформацию и изобретение книгопечатания . Гравюра становилась все более важной, и ее практиковали многие художники. Дюрер, считающийся одним из величайших гравёров, утверждает, что художники — не просто ремесленники, но и мыслители . С развитием станковой живописи в эпоху Возрождения живопись получила независимость от архитектуры. Станковые картины — передвижные картины, которые можно было легко повесить на стены — стали популярной альтернативой картинам, прикрепленным к мебели, стенам или другим конструкциям. После столетий, когда доминировали религиозные образы, светские сюжеты медленно вернулись в западную живопись. Художники включали в свои картины видения окружающего мира или плоды собственного воображения. Те, кто мог позволить себе такие расходы, могли стать покровителями и заказать портреты себя или своей семьи.
Высокое Возрождение в Италии породило после 1520 года стилизованное искусство, известное как маньеризм , хотя некоторые художники, такие как Тициан и Паоло Веронезе , продолжали рисовать в стиле Высокого Возрождения в конце века. Вместо сбалансированных композиций и рационального подхода к перспективе, которые характеризовали искусство на заре XVI века, маньеристы искали нестабильность, искусственность и сомнение. Спокойные Девы Рафаэля и безмятежные выражения лиц героев Леонардо сменяются обеспокоенными выражениями лиц Понтормо и эмоциональной напряженностью Эль Греко . Беспокойные и нестабильные композиции, часто крайние или дизъюнктивные эффекты перспективы и стилизованные позы характерны для итальянских маньеристов, таких как Тинторетто , Понтормо и Бронзино , и появились позже в творчестве северных маньеристов, таких как Хендрик Гольциус , Бартоломеус Шпрангер и Иоахим Втевал. .
Живопись барокко связана с культурным движением барокко , движением, которое часто отождествляют с абсолютизмом и контрреформацией или католическим возрождением; [22] [23] существование важной живописи в стиле барокко в неабсолютистских и протестантских государствах также подчеркивает ее популярность, поскольку стиль распространился по всей Западной Европе. [24]
Живопись барокко характеризуется большой драмой, богатыми, глубокими цветами, интенсивными светлыми и темными тенями, цель искусства - вызвать эмоции и страсть, а не спокойную рациональность, которая ценилась в эпоху Возрождения. Самыми ранними художниками в стиле барокко были братья Караччи, Аннибале и Агостино , в последней партитуре 16-го века, и Караваджо в последнее десятилетие века. Караваджо признан одним из величайших художников эпохи барокко и наследником гуманистической живописи Высокого Возрождения . Его реалистический подход к человеческой фигуре, написанной прямо с натуры и резко освещенной на темном фоне, потряс современников и открыл новую главу в истории живописи. Барокко было доминирующим стилем живописи, начиная примерно с 1600 года и продолжаясь на протяжении всего 17 века. Среди величайших художников барокко — Рубенс , Веласкес , Рембрандт , Франс Хальс , Иоганнес Вермеер , Ленен , Жузепе де Рибера , Пуссен , Тур и Клод Лоррен , которые сосредоточились на пейзажной живописи. Пуссен, Клод и Латур, все французы, приняли «классический» стиль барокко с меньшим вниманием к эмоциям и большим вниманием к контурам фигур на картине, чем к цвету. Большинство из этих художников отправились в Италию в рамках своего обучения, а затем привезли стиль барокко на родину, хотя в некоторых случаях они оставались в Италии большую часть своей карьеры (Клод и Пуссен). В Италии стиль барокко олицетворяют религиозные и мифологические картины в великой манере таких художников, как Карраччи , Гвидо Рени и Лука Джордано . Иллюзионистские фрески на потолке церкви Пьетро да Кортона, казалось, открывались небу.
Гораздо более спокойный тип барокко возник в Голландской республике , где станковые картины на бытовые темы были популярны среди коллекционеров среднего класса, и многие художники стали специалистами в жанрах , другие - в пейзажах, морских пейзажах или натюрмортах. Вермеер, Жерар тер Борх и Питер де Хох , как и Виллем Клас, привнесли большое техническое усовершенствование в живопись домашних сцен . Хеда к натюрморту. Напротив, Рембрандт преуспел в рисовании всех типов предметов и разработал индивидуальный живописный стиль, в котором светотени и темный фон, заимствованные у Караваджо и утрехтских караваджистов, теряют свою театральность. Голландскую живопись в стиле барокко часто называют голландской живописью Золотого века .
В XVIII веке живопись рококо представляла собой более легкое продолжение барокко, часто легкомысленное и эротическое, с использованием светлых пастельных тонов. Рококо впервые развилось в декоративном искусстве и дизайне интерьера во Франции. Преемственность Людовика XV внесла изменения в придворных художников и общую художественную моду. 1730-е годы представляли собой высоту развития рококо во Франции, примером которой являются работы Антуана Ватто и Франсуа Буше . Рококо по-прежнему сохранял вкус барокко к сложным формам и замысловатым узорам, но к этому моменту он начал интегрировать множество разнообразных характеристик, включая вкус к восточному дизайну и асимметричным композициям.
Стиль рококо распространился благодаря французским художникам и гравированным изданиям. Его с готовностью приняли в католических частях Германии, Богемии и Австрии, где он слился с живыми традициями немецкого барокко. Немецкое рококо с энтузиазмом применялось к церквям и дворцам, особенно на юге, в то время как Фредерицианское рококо развивалось в Королевстве Пруссия .
Французские мастера Ватто , Буше и Фрагонар представляют этот стиль, а также Джованни Баттиста Тьеполо и Жан-Батист-Симеон Шарден, которого некоторые считали лучшим французским художником 18-го века – Антирококо . Портретная живопись была важной составляющей живописи во всех странах, но особенно в Англии, где лидерами были Уильям Хогарт в резком реалистическом стиле и Фрэнсис Хейман , Анжелика Кауфман (швейцарка), Томас Гейнсборо и Джошуа Рейнольдс в более лестных стилях. под влиянием Антониса ван Дейка . Во Франции в эпоху рококо Жан-Батист Грез (любимый художник Дени Дидро ) [25] преуспел в портретах и исторических картинах , а Морис Кантен де Латур и Элизабет Виже-Лебрен были высококвалифицированными художниками-портретистами . Ла Тур специализировался на пастельной живописи, которая в этот период стала популярной.
Уильям Хогарт помог разработать теоретическую основу красоты рококо. Хотя он и не ссылался намеренно на это движение, в своем « Анализе красоты» (1753) он утверждал, что волнистые линии и S-образные изгибы, заметные в рококо, были основой изящества и красоты в искусстве или природе (в отличие от прямой линии или круга в классицизме ). . Начало конца рококо наступило в начале 1760-х годов, когда такие деятели, как Вольтер и Жак-Франсуа Блондель, начали высказывать критику поверхностности и вырождения искусства. Блондель осудил «нелепую мешанину ракушек, драконов, тростника, пальм и растений» в современных интерьерах. [26]
К 1785 году рококо вышло из моды во Франции, его заменил порядок и серьезность художников -неоклассиков , таких как Жак-Луи Давид , чьи впечатляющие исторические картины, изображающие как исторические, так и современные события, воплощали идеалы Французской революции .
После рококо в конце 18 века возник в архитектуре, а затем и в живописи суровый неоклассицизм , лучше всего представленный такими художниками, как Давид и его наследник Энгр . Работы Энгра уже содержат большую часть чувственности, но не спонтанности, которая была характерна для романтизма .
К середине 19 века художники освободились от требований покровительства и изображали только сцены из религии, мифологии, портретной живописи или истории. Искусство стало более чисто средством личного самовыражения в работах таких художников, как Франсиско де Гойя , Джон Констебль и Дж. М. У. Тернер . Художники-романтики превратили пейзажную живопись в крупный жанр, считавшийся до тех пор второстепенным жанром или декоративным фоном для фигурных композиций. Некоторые из крупнейших художников этого периода — Эжен Делакруа , Теодор Жерико , Дж. М. У. Тернер, Каспар Давид Фридрих и Джон Констебль. Поздние работы Франсиско Гойи демонстрируют романтический интерес к иррациональному, работы Арнольда Беклина навевают тайну, творчество Братства прерафаэлитов в Англии сочетает в себе усердную преданность природе с ностальгией по средневековой культуре, а картины художника эстетического направления Джеймса Эбботта Макнил Уистлер ассоциируется с изысканностью, декадансом и философией «искусства ради искусства». В Соединенных Штатах романтическая традиция пейзажной живописи была известна как Школа реки Гудзон : [27] ее представители включают Томаса Коула , Фредерика Эдвина Черча , Альберта Бирштадта , Томаса Морана и Джона Фредерика Кенсетта . Люминизм — движение в американской пейзажной живописи, связанное со Школой реки Гудзон.
Главной силой в повороте к реализму в середине века был Гюстав Курбе , чьи неидеализированные картины простых людей оскорбляли зрителей, привыкших к традиционным предметам, и облизывали академическое искусство , но вдохновляли многих молодых художников. Ведущий художник Барбизонской школы Жан-Франсуа Милле также писал пейзажи и сцены крестьянской жизни. С Барбизонской школой был тесно связан Камиль Коро , который рисовал как в романтическом, так и в реалистическом ключе; его работы являются прообразом импрессионизма , как и картины Йохана Йонгкинда и Эжена Будена (который был одним из первых французских художников-пейзажистов, рисовавших на открытом воздухе). Буден оказал большое влияние на молодого Клода Моне , которого в 1857 году он познакомил с пленэрной живописью.
Во второй трети века импрессионисты, такие как Эдуард Мане , Клод Моне, Пьер-Огюст Ренуар , Камиль Писсарро , Альфред Сислей , Берта Моризо , Мэри Кассат и Эдгар Дега , работали в более прямом подходе, чем это ранее демонстрировалось публично. Они избегали аллегорий и повествований в пользу индивидуальных ответов на современный мир, иногда написанных практически без предварительного изучения, полагаясь на ловкость рисунка и высокохроматическую палитру. Моне, Писсарро и Сислей использовали пейзаж в качестве основного мотива, а быстротечность света и погоды играла важную роль в их работах. Следуя практике, которая к середине века становилась все более популярной, они часто вместе отправлялись в деревню, чтобы рисовать на открытом воздухе, но не с традиционной целью создания эскизов, которые затем в студии превращались в тщательно законченные работы. [28] Рисуя при солнечном свете прямо с натуры и смело используя яркие синтетические пигменты, которые стали доступны с начала века, они разработали более легкую и яркую манеру рисования.
Мане, Дега, Ренуар, Моризо и Кассат сосредоточили свое внимание прежде всего на человеческой теме. И Мане, и Дега переосмыслили классические образные каноны в современных ситуациях; в случае с Мане переосмысление было встречено враждебно публикой. Ренуар, Моризо и Кассат обратились за вдохновением к домашней жизни, причем Ренуар сосредоточился на обнаженной женской фигуре. В то время как Сислей наиболее близко придерживался первоначальных принципов импрессионистского восприятия пейзажа, Моне искал вызовы во все более хроматических и изменчивых условиях, кульминацией которых стала серия монументальных работ « Водяные лилии» , написанные в Живерни .
Постимпрессионисты, такие как Поль Сезанн и чуть более молодой Винсент Ван Гог , Поль Гоген и Жорж-Пьер Сёра, привели искусство к грани модернизма . Для Гогена импрессионизм уступил место личному символизму. Сёра превратил ломаный цвет импрессионизма в научное оптическое исследование, построенное на фризовых композициях. Разработанная им техника живописи, названная «Дивизионизм» , привлекла многих последователей, таких как Поль Синьяк , и в течение нескольких лет в конце 1880-х годов Писсарро перенял некоторые из его методов. Бурный метод нанесения красок Ван Гога в сочетании со звучным использованием цвета предсказал экспрессионизм и фовизм , а Сезанн, желая объединить классическую композицию с революционной абстракцией природных форм, стал рассматриваться как предшественник искусства 20-го века. .
Очарование импрессионизма ощущалось во всем мире, в том числе в Соединенных Штатах, где оно стало неотъемлемой частью живописи американских импрессионистов , таких как Чайльд Хассам , Джон Генри Твахтман и Теодор Робинсон . Это также оказало влияние на художников, которые теоретически не были в первую очередь импрессионистами, таких как художник-портретист и пейзажист Джон Сингер Сарджент . В то же время в Америке на рубеже 20-го века существовал естественный и почти замкнутый реализм, богато воплощенный в фигуративном творчестве Томаса Икинса , школе Ашкана , а также пейзажах и морских пейзажах Уинслоу Гомера , все картины которого были глубоко вложены в прочность природных форм. Визионерский пейзаж, мотив, во многом зависящий от двусмысленности ноктюрна, нашел своих сторонников в лице Альберта Пинкэма Райдера и Ральфа Альберта Блейклока .
В конце 19 века также существовало несколько, довольно непохожих друг на друга, групп художников-символистов , чьи работы нашли отклик у более молодых художников 20-го века, особенно у фовистов и сюрреалистов . Среди них были Гюстав Моро , Одилон Редон , Пьер Пюви де Шаванн , Анри Фантен-Латур , Арнольд Бёклин , Фердинанд Ходлер , Эдвард Мунк , Фелисьен Ропс , Ян Тороп и Густав Климт , а также русские символисты , такие как Михаил Врубель .
Художники-символисты использовали мифологию и образы сновидений для визуального языка души, ища вызывающие воспоминания картины, которые напоминали бы статический мир тишины. Символы, используемые в символизме, — это не знакомые эмблемы господствующей иконографии , а глубоко личные, частные, неясные и двусмысленные отсылки. Художники-символисты, скорее философия, чем реальный стиль искусства, повлияли на современное движение модерн и Les Nabis . В своем исследовании сказочных сюжетов художники-символисты встречаются в разных веках и культурах, как и сегодня; Бернар Дельвайль описал сюрреализм Рене Магритта как «Символизм плюс Фрейд ». [29]
Наследие таких художников, как Ван Гог , Сезанн , Гоген и Сёра, имело важное значение для развития современного искусства. В начале 20-го века Анри Матисс и несколько других молодых художников, в том числе прекубисты Жорж Брак , Андре Дерен , Рауль Дюфи и Морис де Вламинк произвели революцию в мире искусства Парижа своими «дикими», разноцветными, выразительными пейзажами и фигурными картинами. что критики называли фовизмом . Вторая версия «Танца» Анри Матисса знаменует собой ключевой момент в его карьере и развитии современной живописи. [30] Он отражает зарождающееся увлечение Матисса примитивным искусством : интенсивные теплые цвета на прохладном сине-зеленом фоне и ритмичная последовательность танцующих обнаженных тел передают чувства эмоционального освобождения и гедонизма . Пабло Пикассо создал свои первые картины в стиле кубизма, основываясь на идее Сезанна о том, что все изображения природы можно свести к трем телам: кубу , сфере и конусу . Картинами «Авиньонские девицы» (1907) Пикассо создал новую и радикальную картину, изображающую сцену публичного дома с пятью проститутками, яростно нарисованными женщинами, напоминающую маски африканских племен и его собственные кубистические изобретения. Кубизм был совместно разработан примерно с 1908 по 1912 год Пабло Пикассо и Жоржем Браком , чья «Скрипка и подсвечник, Париж» (1910) показана здесь. Первое явное проявление кубизма практиковали Брак, Пикассо, Жан Метцингер , Альберт Глейз , Фернан Леже , Анри Ле Фоконье и Робер Делоне . Вскоре к ним присоединились Хуан Грис , Марсель Дюшан , Александр Архипенко , Жозеф Чаки и другие. [31] Синтетический кубизм , практикуемый Браком и Пикассо, характеризуется введением различных текстур, поверхностей, элементов коллажа , папье-колле и большого разнообразия объединенных предметов. [31]
Осенний салон 1905 года принес известность и внимание к произведениям Анри Матисса и фовизма . Группа получила свое название после того, как критик Луи Воксель описал их работы фразой « Donatello chez les fauves» («Донателло среди диких зверей»), [32] противопоставив картины скульптуре ренессансного типа, которая делила с ними комнату. [33] Сцена в джунглях «Голодный лев бросается на антилопу» Анри Руссо (который не был фовистом) висела рядом с работами Матисса и, возможно, вдохновила саркастический термин, используемый в прессе. [34] Комментарий Вокселя был напечатан 17 октября 1905 года в ежедневной газете «Жиль Блас» и стал широко использоваться. [33] [35]
В первые два десятилетия 20-го века и после кубизма возникло несколько других важных движений; Футуризм ( Балла ), Абстракционизм ( Кандинский ) , «Синий всадник» (Кандинский и Франц Марк ), Баухаус (Кандинский и Клее ), Орфизм , ( Делоне и Купка ), Синхромизм ( Рассел ), Де Стиль ( ван Дусбург и Мондриан ), Супрематизм ( Малевич ), конструктивизм ( Татлин ), дадаизм ( Дюшан , Пикабиа и Арп ) и сюрреализм ( де Кирико , Андре Бретон , Миро , Магритт , Дали и Эрнст ). Современная живопись повлияла на все изобразительные искусства, от модернистской архитектуры и дизайна до авангардного кино, театра и современного танца , и стала экспериментальной лабораторией для выражения визуального опыта, от фотографии и конкретной поэзии до рекламного искусства и моды.
Фовизм представлял собой свободную группу художников начала 20-го века, в чьих работах подчеркивались живописные качества и творческое использование глубоких цветов вместо репрезентативных ценностей. Лидерами движения были Анри Матисс и Андре Дерен — своего рода дружеские соперники, каждый из которых имел своих последователей. В конечном итоге Матисс стал ян для инь Пикассо в 20 веке. Среди художников-фовистов были Альберт Марке , Шарль Камуан , Морис де Вламинк , Рауль Дюфи , Отон Фрис , голландский художник Кес ван Донген и партнер Пикассо по кубизму Жорж Брак среди других. [36]
У фовизма не было конкретных теорий, и он просуществовал недолго, начиная с 1905 года и заканчивая 1907 годом. У них было всего три выставки. Матисс считался лидером движения из-за его старшинства по возрасту и предшествующего самоутверждения в мире академического искусства. Его портрет мадам 1905 года. Картина Матисса « Зеленая полоса » произвела фурор в Париже, когда была впервые выставлена. Он сказал, что хочет создавать искусство, приносящее удовольствие, и можно сказать, что использование им ярких цветов пытается сохранить спокойствие композиции. В 1906 году по предложению своего дилера Амбруаза Воллара Андре Дерен отправился в Лондон и создал серию картин, в том числе «Мост Чаринг-Кросс», «Лондон», в стиле фовизма , перефразируя знаменитую серию художника- импрессиониста Клода Моне .
К 1907 году фовизм больше не был шокирующим новым движением, и Аполлинер сказал о Матиссе в статье, опубликованной в «Ла Фаланж» : «Мы здесь не перед лицом экстравагантного или экстремистского начинания: искусство Матисса в высшей степени разумно». [37]
Die Brücke — группа немецких художников -экспрессионистов , образованная в Дрездене в 1905 году. Членами-основателями были Фриц Блейль , Эрих Хекель , Эрнст Людвиг Кирхнер и Карл Шмидт-Ротлуфф . Среди более поздних членов были Макс Пехштейн и Отто Мюллер . Эта плодотворная группа оказала большое влияние на эволюцию современного искусства 20 века и создала стиль экспрессионизма . [38]
Der Blaue Reiter — немецкое движение, существовавшее с 1911 по 1914 год и ставшее фундаментальным для экспрессионизма. Василий Кандинский , Франц Марк , Август Маке , Алексей фон Явленский , чья психически выразительная картина русского танцовщика «Портрет Александра Сахарова» (1909) видна здесь, Марианна фон Веревкин , Лионель Файнингер и другие основали группу «Синий всадник» в ответ на отказ от выставки картины Кандинского «Страшный суд» . У «Синего всадника» не было центрального художественного манифеста, но он был сосредоточен вокруг Кандинского и Марка. Также были задействованы художники Габриэле Мюнтер и Пауль Клее . Название движения происходит от картины Кандинского 1903 года . Для Кандинского синий — цвет духовности: чем темнее синий, тем больше он пробуждает в человеке стремление к вечному. [39]
Экспрессионизм и символизм — это широкие рубрики, включающие несколько родственных течений в живописи 20-го века, которые доминировали в большей части авангардного искусства, создаваемого в Западной, Восточной и Северной Европе. Работы экспрессионистов были написаны в основном между Первой и Второй мировыми войнами, в основном во Франции, Германии, Норвегии, России, Бельгии и Австрии. Фовизм , Die Brücke и Der Blaue Reiter — три самые известные группы художников-экспрессионистов и символистов. Картина Марка Шагала «Я и деревня» рассказывает автобиографическую историю, в которой рассматривается связь художника и его происхождения с использованием лексики художественного символизма. Густав Климт , Эгон Шиле , Эдвард Мунк , Эмиль Нольде , Хаим Сутин , Джеймс Энсор , Оскар Кокошка , Эрнст Людвиг Кирхнер , Макс Бекман , Франц Марк , Жорж Руо , Амедео Модильяни и некоторые американцы за границей, такие как Марсден Хартли и Стюарт Дэвис , были считался влиятельным художником-экспрессионистом. Хотя Альберто Джакометти в первую очередь считается скульптором-сюрреалистом, он также создавал интенсивные экспрессионистские картины.
Американские художники в период между Первой и Второй мировыми войнами, как правило, ездили в Европу за признанием. Художники -модернисты , такие как Марсден Хартли, Патрик Генри Брюс , Джеральд Мерфи и Стюарт Дэвис, создали себе репутацию за рубежом. В то время как Патрик Генри Брюс [40] создавал картины, связанные с кубизмом, в Европе, Стюарт Дэвис и Джеральд Мерфи создавали картины, которые были ранними источниками вдохновения для американского поп-арта [41] [42] [43] , а Марсден Хартли экспериментировал с экспрессионизмом. В 1920-х годах фотограф Альфред Штиглиц выставлял Джорджию О'Киф , Артура Дава , Альфреда Генри Маурера , Чарльза Демута , Джона Марина и других художников, включая европейских мастеров Анри Матисса, Огюста Родена, Анри Руссо, Поля Сезанна и Пикассо, в своем Нью-Йорке. галерея 291 . [44] В Европе такие мастера, как Анри Матисс и Пьер Боннар, продолжали развивать свои повествовательные стили независимо от какого-либо движения.
Василия Кандинского обычно считают одним из первых значительных художников современного абстрактного искусства . Будучи ранним модернистом , он, как и современные оккультисты и теософы , предположил , что чистая визуальная абстракция имеет сопутствующие вибрации со звуком и музыкой. Они утверждали, что чистая абстракция может выражать чистую духовность. Его самые ранние абстракции обычно назывались как пример « Композиции VII» , что связывало их с творчеством музыкальных композиторов. Кандинский включил многие из своих теорий об абстрактном искусстве в свою книгу « О духовном в искусстве» . Другими крупными пионерами ранней абстракции являются шведский художник Хильма аф Клинт , русский художник Казимир Малевич и швейцарский художник Пауль Клее . Робер Делоне был французским художником, связанным с орфизмом (напоминающим связь между чистой абстракцией и кубизмом). Его ключевой вклад в абстрактную живопись связан со смелым использованием цвета и экспериментированием с глубиной и тоном.
Марсель Дюшан приобрел международную известность после Нью-Йоркской оружейной выставки в 1913 году, где его картина «Обнаженная, спускающаяся по лестнице, № 2» стала знаменитой. Впоследствии он создал «Невесту, раздетую холостяками, даже большое стекло» . « Большое стекло» вывело искусство живописи на радикально новые границы: часть живописи, часть коллажа, часть конструкции. Дюшан (который вскоре отказался от творчества в пользу шахмат) стал тесно связан с движением Дада , которое зародилось в нейтральном Цюрихе, Швейцария , во время Первой мировой войны и достигло пика с 1916 по 1920 год. Движение в основном охватывало изобразительное искусство, литературу (поэзию, художественные манифесты). , теория искусства), театр и графический дизайн для продвижения своей антивоенной политики и отказа от преобладающих стандартов в искусстве посредством антихудожественных культурных произведений. Среди других художников, связанных с движением Дада, — Фрэнсис Пикабиа , Ман Рэй , Курт Швиттерс , Ханна Хёх , Тристан Цара , Ганс Рихтер , Жан Арп и Софи Тойбер-Арп . Дюшан и некоторые дадаисты также связаны с сюрреализмом, движением, которое доминировало в европейской живописи 1920-х и 1930-х годов.
В 1924 году Андре Бретон опубликовал « Манифест сюрреализма» . Сюрреалистическое движение в живописи стало синонимом авангарда и включало художников , чьи работы варьировались от абстрактных до суперреалистических. С работами на бумаге, такими как Machine Turn Quickly , Фрэнсис Пикабиа продолжал свое участие в движении Дада до 1919 года в Цюрихе и Париже, прежде чем оторваться от него после того, как у него появился интерес к сюрреалистическому искусству. Ив Танги , Рене Магритт и Сальвадор Дали особенно известны своими реалистичными изображениями сновидений и фантастическими проявлениями воображения. В 1920-е годы работа Андре Массона сыграла решающую роль, помогая молодому художнику Жоану Миро найти свои корни в сюрреалистической живописи. «Вспаханное поле» Миро (1923–1924) граничит с абстракцией, предлагая комплекс объектов и фигур, а также расположение сексуально активных персонажей; это был первый сюрреалистический шедевр Миро . [45] Жоан Миро, Жан Арп, Андре Массон и Макс Эрнст имели большое влияние, особенно в Соединенных Штатах в 1940-е годы.
Макс Эрнст, чья картина 1920 года «Самолет-убийца» представлена здесь, изучал философию и психологию в Бонне и интересовался альтернативными реальностями, с которыми сталкиваются безумцы. Его картины, возможно, были вдохновлены исследованием психоаналитика Зигмунда Фрейда бреда параноика Даниэля Пауля Шребера. Фрейд определил фантазию Шребера стать женщиной как комплекс кастрации . Центральное изображение двух пар ног отсылает к гермафродитным желаниям Шребера. Надпись Эрнста на обороте картины гласит: Картина любопытна своей симметрией. Оба пола уравновешивают друг друга. [46]
На протяжении 1930-х годов сюрреализм продолжал становиться все более заметным для широкой публики. В Великобритании возникла группа сюрреалистов, и , по словам Бретона, их Лондонская международная выставка сюрреалистов 1936 года стала высшим достижением того периода и стала образцом для международных выставок. Группы сюрреалистов в Японии, и особенно в Латинской Америке, странах Карибского бассейна и Мексике, создавали новаторские и оригинальные произведения. Среди других выдающихся художников-сюрреалистов Джорджио де Кирико , Мерет Оппенгейм , Тойен , Грегуар Мишонце , Роберто Матта , Кей Сейдж , Леонора Кэррингтон , Доротея Таннинг и Леонор Фини .
В течение 1920-х и 1930-х годов, а также во время Великой депрессии , европейская художественная сцена характеризовалась сюрреализмом, поздним кубизмом, Баухаусом , Де Стиль , Дадаизмом, Neue Sachlichkeit и экспрессионизмом; и был занят мастерскими художниками- модернистами, такими как Анри Матисс и Пьер Боннар .
,_oil_on_canvas,_133_x_154_cm,_Kunstsammlung_Nordrhein-Westfalen,_D%C3%BCsseldorf.jpg/1280px-Max_Beckmann,_1918-19,_The_Night_(Die_Nacht),_oil_on_canvas,_133_x_154_cm,_Kunstsammlung_Nordrhein-Westfalen,_D%C3%BCsseldorf.jpg)
В Германии Neue Sachlichkeit («Новая объективность») возникла, когда Макс Бекманн , Отто Дикс , Джордж Гросс и другие политизировали свои картины. Работы этих художников выросли из экспрессионизма, были ответом на политическую напряженность Веймарской республики и часто носили резко сатирический характер.
В 1930-х годах радикальная левая политика характеризовала многих художников, связанных с сюрреализмом, включая Пабло Пикассо . [47] 26 апреля 1937 года, во время гражданской войны в Испании , баскский город Герника стал местом « бомбардировки Герники » легионом Кондор Люфтваффе нацистской Германии. Немцы атаковали, чтобы поддержать усилия Франсиско Франко по свержению правительства Басков и испанского республиканского правительства. Пабло Пикассо нарисовал свою фреску размером с Гернику в память об ужасах бомбардировок.
Герника — это огромная черно-белая фреска высотой 3,5 метра (11 футов) и шириной 7,8 метра (23 фута), написанная маслом. Фреска представляет сцену смерти, насилия, жестокости, страданий и беспомощности, но не изображает их непосредственные причины. Выбор черно-белой картины вызывает непосредственность газетной фотографии. [48] Картина впервые была выставлена в Париже в 1937 году, затем в Скандинавии и Лондоне, а в 1939 году по просьбе Пикассо картина была отправлена в США в рамках расширенного кредита (на хранение) в МоМА . Наконец, в соответствии с желанием Пикассо подарить картину народу Испании, в 1981 году она была отправлена в Испанию.
От Великой депрессии 1930-х годов до Второй мировой войны американское искусство характеризовалось соцреализмом и американской сценической живописью . В мире искусства США доминировали движения регионализма , которые содержали как политические, так и социальные комментарии. Такие художники, как Бен Шан , Томас Харт Бентон , Грант Вуд , Джордж Тукер , Джон Стюарт Карри , Реджинальд Марш и другие, стали известными.
«Американская готика» — картина Гранта Вуда 1930 года. На ней изображены фермер с вилами и молодая женщина перед домом в стиле плотницкой готики . Это одно из самых знакомых изображений в американском искусстве 20-го века. Искусствоведы сочли это сатирическим по замыслу; Считалось, что это часть тенденции ко все более критическому изображению сельской Америки, примером которой являются «Уайнсбург» Шервуда Андерсона 1919 года , Огайо , « Мэйн-стрит » Синклера Льюиса 1920 годаи «Татуированная графиня » Карла Ван Вехтена в литературе. [49] Однако с началом Великой депрессии картина стала рассматриваться как изображение стойкого американского новаторского духа.
Возрождение искусства в Латинской Америке включало уругвайского художника Хоакина Торреса Гарсиа , мексиканского художника Руфино Тамайо , художников мексиканского движения монументалистов , таких как Диего Ривера , Давид Сикейрос , Хосе Ороско , Педро Нель Гомес и Сантьяго Мартинес Дельгадо , а также символистов. художница Фрида Кало . Монументалисты передавали исторические и политические послания. Диего Ривера, пожалуй, наиболее известен публике благодаря своей фреске 1933 года « Человек на распутье » в вестибюле здания RCA в Рокфеллер-центре . Когда его покровитель Нельсон Рокфеллер обнаружил, что на фреске изображен портрет Ленина и другие коммунистические образы, он уволил Риверу, а незаконченная работа была в конечном итоге уничтожена сотрудниками Рокфеллера.
Работы Фриды Кало относятся к сюрреализму и течению магического реализма в литературе. Ее работы часто характеризуются резким изображением боли. Из 143 ее картин 55 являются автопортретами, которые часто включают символическое изображение ее физических и психологических ран. [50]
1940-е годы в Нью-Йорке ознаменовали триумф американского абстрактного экспрессионизма , движения, объединившего уроки, полученные от европейских модернистов через таких великих учителей в Америке, как Ганс Хофманн и Джон Д. Грэм . Американские художники извлекли выгоду из присутствия Пита Мондриана , Фернана Леже , Макса Эрнста и группы Андре Бретона , галереи Пьера Матисса и галереи Пегги Гуггенхайм «Искусство этого века» , а также других факторов.
Американская живопись после Второй мировой войны под названием «Абстрактный экспрессионизм» включала таких художников, как Джексон Поллок , Виллем де Кунинг , Аршил Горки , Марк Ротко , Ганс Хофманн, Клиффорд Стилл , Франц Клайн , Адольф Готлиб , Барнетт Ньюман , Марк Тоби , Джеймс Брукс , Филип Гастон , Роберт Мазервелл , Конрад Марка-Релли , Джек Творков , Эстебан Висенте , Уильям Базиотес , Ричард Пусетт-Дарт , Эд Рейнхардт , Хедда Стерн , Джимми Эрнст , Брэдли Уокер Томлин и Теодорос Стамос и другие. Американский абстрактный экспрессионизм получил свое название в 1946 году от искусствоведа Роберта Коутса . [51] [52] Абстрактный экспрессионизм, живопись действия и живопись цветового поля являются синонимами Нью-Йоркской школы . [53]
Технически сюрреализм был важным предшественником абстрактного экспрессионизма с его упором на спонтанное, автоматическое или подсознательное творчество. Капающая краска Джексона Поллока на холст, лежащий на полу, – это техника, берущая свое начало в творчестве Андре Массона . Еще одним важным ранним проявлением того, что впоследствии стало абстрактным экспрессионизмом, являются работы американского художника Северо-Запада Марка Тоби , особенно его полотна «белого письма», которые, хотя и невелики по размеру, предвосхищают «сплошной» вид капельных картин Поллока.
Кроме того, абстрактный экспрессионизм имеет образ мятежного, анархического, весьма своеобразного и, по мнению некоторых, довольно нигилистического. На практике этот термин применяется к любому количеству художников, работающих (в основном) в Нью-Йорке, у которых были совершенно разные стили, и даже применяется к работам, которые не являются особенно абстрактными или экспрессионистскими. Энергичные « картины действия » Поллока с их «занятым» ощущением отличаются как технически, так и эстетически от жестокой и гротескной серии «Женщины » Виллема де Кунинга . «Женщина V» — одна из шести картин, написанных де Кунингом в период с 1950 по 1953 год, на которых изображена женская фигура в три четверти длины. Первую из этих картин, «Женщина I», он начал в июне 1950 года, неоднократно меняя и закрашивая изображение до января или февраля 1952 года, когда картина осталась незавершенной. Историк искусства Мейер Шапиро увидел картину в студии де Кунинга и призвал художника продолжать работу. В ответ де Кунинг начал создавать еще три картины на ту же тему; Женщина II, Женщина III и Женщина IV. Летом 1952 года, проведенным в Ист-Хэмптоне , де Кунинг исследовал эту тему с помощью рисунков и пастели. Он закончил работу над «Женщиной I» к ноябрю 1952 года, и, вероятно, три другие женские картины были закончены примерно в то же время. [54] Серия «Женщина» — это определенно фигуративные картины . Еще одним важным художником является Франц Клайн , о чем свидетельствует его картина «Высокая улица» (1950), которого называли художником-боевиком из-за его, казалось бы, спонтанного и интенсивного стиля, который меньше или вообще не сосредотачивался на фигурах или образах, а на реальной жизни. мазки кисти и использование холста.
Клиффорд Стилл , Барнетт Ньюман , Адольф Готлиб и безмятежно мерцающие цветные блоки в работах Марка Ротко (которые не относятся к тому, что обычно называют экспрессионистскими и абстрактность которых Ротко отрицал), классифицируются как абстрактные экспрессионисты, хотя и с точки зрения Клемента. Гринберг назвал направление Цветового поля абстрактным экспрессионизмом. И Ганса Хофмана , и Роберта Мазервелла можно охарактеризовать как практиков живописи действия и живописи цветового поля.
В 1950-х годах живопись Цветового поля первоначально относилась к определенному типу абстрактного экспрессионизма , особенно к работам Марка Ротко, Клиффорда Стилла, Барнетта Ньюмана, Роберта Мазервелла и Адольфа Готлиба. По сути, это абстрактные картины с большими плоскими цветными пространствами, которые выражали чувственные и визуальные ощущения и свойства больших участков поверхности с нюансами. Искусствовед Клемент Гринберг воспринимал живопись «Цветовое поле» как родственную живописи действия, но отличную от нее. Общий размах и гештальт работ первых художников цветового поля говорят о почти религиозном опыте, благоговении перед расширяющейся вселенной чувственности, цвета и поверхности. В начале-середине 1960-х годов живопись «Цветовое поле» стала относиться к стилям таких художников, как Жюль Олицки , Кеннет Ноланд и Хелен Франкенталер , чьи работы были связаны с абстрактным экспрессионизмом второго поколения, а также к более молодым художникам, таким как Ларри Зокс , и Фрэнк Стелла – все движутся в новом направлении.
В период с 1930-х по 1960-е годы абстрактная живопись в Америке и Европе развивалась в такие движения, как абстрактный экспрессионизм , живопись цветового поля, пост-живописная абстракция , оп-арт , живопись с жесткими краями , минимализм , фигурная живопись на холсте и лирическая абстракция . Другие художники отреагировали на тенденцию к абстракции, позволив образам продолжаться в различных новых контекстах, таких как фигуративное движение области залива в 1950-х годах и новые формы экспрессионизма с 1940-х по 1960-е годы. На протяжении ХХ века многие художники практиковали реализм и использовали выразительные образы в пейзажной и фигуративной живописи на современные сюжеты. Среди них такие разные художники, как Милтон Эйвери , Джон Д. Грэм , Фэрфилд Портер , Эдвард Хоппер , Эндрю Уайет , Бальтус , Фрэнсис Бэкон , Фрэнк Ауэрбах , Люсьен Фрейд , Леон Коссофф , Филип Перлштейн , Виллем де Кунинг , Аршил Горки , Грейс Хартиган , Роберт Де Ниро-старший и Элейн де Кунинг .
В то время в Италии Джорджо Моранди был выдающимся художником-натюрмортом, исследовавшим самые разнообразные подходы к изображению повседневных бутылок и кухонных принадлежностей. [55]
.jpg/1280px-Frida_Kahlo_(self_portrait).jpg)
Портрет Виллема де Кунинга работы Аршила Горки — пример эволюции абстрактного экспрессионизма из контекста фигурной живописи, кубизма и сюрреализма . Вместе со своими друзьями де Кунингом и Джоном Д. Грэмом Горький создавал абстрактные фигуративные композиции биоморфной формы, которые к 1940-м годам превратились в полностью абстрактные картины. Работы Горького кажутся тщательным анализом памяти, эмоций и формы, используя линию и цвет для выражения чувств и природы. [56] [57]
Этюд по мотивам «Портрета Папы Иннокентия X» Веласкеса (1953) — картина ирландского художника Фрэнсиса Бэкона , являющаяся примером европейского экспрессионизма после Второй мировой войны . Работа представляет собой искаженную версию « Портрета Иннокентия X» , написанного испанским художником Диего Веласкесом в 1650 году. Работа представляет собой один из серии вариантов картины Веласкеса, которую Бэкон выполнил на протяжении 1950-х и начала 1960-х годов, всего более сорока. -пять работ. [58] Когда его спросили, почему он был вынужден так часто возвращаться к этой теме, Бэкон ответил, что он ничего не имеет против Пап, что он просто «хотел предлог для использования этих цветов, и вы не можете придать обычной одежде этот фиолетовый цвет без впадая в своего рода ложную фовистическую манеру». [59] Папа в этой версии кипит гневом и агрессией, а темные цвета придают изображению гротескный и кошмарный вид. [60] Плиссированные шторы на заднем плане сделаны прозрачными и, кажется, падают на лицо Папы. [61]
Своеобразной альтернативой абстрактному экспрессионизму послужило фигуративное творчество Фрэнсиса Бэкона, Фриды Кало, Эдварда Хоппера, Люсьена Фрейда, Эндрю Уайета и других. «Ночные ястребы» (1942) — реалистическая картина Эдварда Хоппера, на которой изображены люди, сидящие поздно вечером в закусочной в центре города. Это не только самая известная картина Хоппера, но и одна из самых узнаваемых в американском искусстве. Городская улица за пределами закусочной пуста, а внутри никто из трех посетителей, очевидно, не смотрит и не разговаривает с другими, а вместо этого погружен в свои мысли. Изображение современной городской жизни как пустой и одинокой — общая тема всех работ Хоппера. Одним из самых известных изображений американского искусства 20-го века является темперная картина Уайета « Мир Кристины» из коллекции Музея современного искусства в Нью-Йорке . На нем изображена женщина, лежащая на земле в безлесном, преимущественно желтовато-коричневом поле, смотрящая вверх и ползущая к серому дому на горизонте; К дому примыкает сарай и разные другие мелкие хозяйственные постройки. [62]
После Второй мировой войны термин « Парижская школа» часто относился к Ташизму , европейскому эквиваленту американского абстрактного экспрессионизма, и эти художники также связаны с Коброй . Важными сторонниками являются Жан Дюбюффе , Пьер Сулаж , Николя де Сталь , Ганс Хартунг , Серж Поляков и Жорж Матье , среди некоторых других. В начале 1950-х годов Дюбюффе (который всегда был художником-фигуративистом) и де Сталь отказались от абстракции и вернулись к изображениям через фигуру и пейзаж. Возвращение Де Сталя к репрезентации (морские пейзажи, футболисты, джазовые музыканты, чайки) в начале 1950-х годов можно рассматривать как влиятельный прецедент для фигуративного движения Американского залива , поскольку многие из этих художников-абстракционистов, такие как Ричард Дибенкорн , Дэвид Парк , Элмер Бишофф , Уэйн Тибо , Натан Оливейра , Джоан Браун и другие сделали аналогичный ход; возвращаясь к изображениям в середине 1950-х годов. Большая часть поздних работ де Сталя, в частности его абстрактные пейзажи середины 1950-х годов, предсказывает живопись цветового поля и лирическую абстракцию 1960-х и 1970-х годов. Милтон Эйвери, а также благодаря его использованию цвета и его интересу к морским пейзажам и пейзажным картинам, связанным с аспектом цветового поля абстрактного экспрессионизма, проявленным Адольфом Готлибом и Марком Ротко, а также уроками, которые американские художники извлекли из работ Анри Матисса . [63] [64]
Поп-арт в Америке был в значительной степени первоначально вдохновлен работами Джаспера Джонса , Ларри Риверса и Роберта Раушенберга , хотя картины Джеральда Мерфи , Стюарта Дэвиса и Чарльза Демута в 1920-х и 1930-х годах предвещают стиль и тематику поп-арта. искусство.
В Нью-Йорке в середине 1950-х годов Раушенберг и Джонс создали произведения искусства, которые на первый взгляд казались продолжением абстрактной экспрессионистской живописи. На самом деле их работы и работы Ларри Риверса были радикальным отходом от абстрактного экспрессионизма, особенно в использовании банальных и буквальных образов и включении в их работы обыденных материалов. Использование Джонсом различных изображений и объектов, таких как стулья, цифры, мишени, пивные банки и американский флаг ; Картины Риверса с сюжетами, взятыми из популярной культуры, например, Джордж Вашингтон, пересекающий Делавэр , а также включения изображений из рекламы, таких как верблюд из сигарет Camel ; а удивительные конструкции Раушенберга с использованием включений предметов и изображений, взятых из популярной культуры, хозяйственных магазинов, свалок, городских улиц и таксидермии , породили радикально новое движение в американском искусстве. В конце концов, к 1963 году это движение стало известно во всем мире как поп-арт.
Поп-арт представлен художниками Энди Уорхолом , Клаасом Ольденбургом , Уэйном Тибо , Джеймсом Розенквистом , Джимом Дайном , Томом Вессельманном и Роем Лихтенштейном и другими. Лихтенштейн использовал масло и краску Magna в таких работах, как «Тонущая девушка» (1963; Музей современного искусства, Нью-Йорк ), которая была заимствована из главной истории комикса DC Comics « Secret Hearts #83». [65] ) Толстые контуры, яркие цвета и точки Бен-Дэя воспроизводят внешний вид коммерческой печати. Лихтенштейн говорил о своих работах: Абстрактные экспрессионисты «наносили вещи на холст и реагировали на то, что они сделали, на цветовое положение и размеры. Мой стиль выглядит совершенно по-другому, но характер нанесения линий практически тот же». ; мои просто не выглядят каллиграфическими, как у Поллока или Клайна». [66] Поп-арт объединяет популярную и массовую культуру с изобразительным искусством, привнося в эту смесь юмор, иронию, узнаваемые образы и содержание. В октябре 1962 года галерея Сидни Джениса организовала «Новые реалисты» , первую крупную групповую выставку поп-арта в художественной галерее на окраине Нью-Йорка. Шоу вызвало шок в нью-йоркской школе и разошлось по всему миру. «Банки с супом Кэмпбелл» (иногда называемые «32 банки с супом Кэмпбелл» ) — это название произведения искусства Энди Уорхола , созданного в 1962 году. Оно состоит из тридцати двух холстов одинакового размера, каждый из которых представляет собой изображение банки с супом Кэмпбелл. — по одному консервированному супу каждого сорта, который компания предлагала в то время. Отдельные картины были созданы полумеханизированным способом шелкографии в неживописном стиле . Они помогли провозгласить поп-арт крупным художественным движением, опирающимся на темы популярной культуры .
Ранее в Англии, в 1956 году , Лоуренс Аллоуэй использовал термин «поп-арт» для картин, прославляющих потребительство эпохи после Второй мировой войны. Это движение отвергло абстрактный экспрессионизм и его акцент на герменевтическом и психологическом интерьере в пользу искусства, которое изображало материальную потребительскую культуру, рекламу и иконографию эпохи массового производства. [67] Ранние работы английского художника Дэвида Хокни , такие как «Большой всплеск» , а также работы Ричарда Гамильтона , Питера Блейка и Эдуардо Паолоцци , считаются плодотворными примерами этого движения. В галереях нью-йоркской Ист-Виллидж на 10-й улице художники создавали американскую версию поп-арта. У Класа Ольденбурга была своя витрина, а в Зеленой галерее на 57-й улице начали выставлять Тома Вессельмана и Джеймса Розенквиста . Существует связь между радикальными произведениями Дюшана и Ман Рэя , бунтующими дадаистами – с чувством юмора; и поп-артисты, такие как Алекс Кац , Клаас Ольденбург, Энди Уорхол, Рой Лихтенштейн и другие.
В течение 1950-х и 1960-х годов абстрактная живопись в Америке и Европе развивалась в такие движения, как живопись цветового поля , пост-живописная абстракция , оп-арт , живопись с жесткими краями , минимализм , фигурная живопись на холсте, лирическая абстракция и продолжение абстрактного экспрессионизма. Другие художники отреагировали на тенденцию к абстракции с помощью Art brut , [68] как это видно в «Cour les rues», 1962, Жана Дюбюффе , «Флюксуса» , «Неодадада» , «Нового реализма» , «Фотореализма» , позволяя образам вновь проявиться через различные новые контексты, такие как поп-арт , фигуративное движение района залива (ярким примером является «Городской пейзаж I» Дибенкорна (Пейзаж № 1) (1963), а позже, в 1970-х годах, неоэкспрессионизм . Фигуративное движение района залива , авторами которого являются Дэвид Парк , Элмер Бишофф , Натан Оливейра и Ричард Дибенкорн , чья картина « Городской пейзаж 1» ( 1963 ) является типичным примером, были влиятельными членами , процветавшими в 1950-х и 1960-х годах в Калифорнии. Молодые художники практиковали использование образов новыми и радикальными способами. Рэйсс , Кристо , Ники де Сен-Фалль , Дэвид Хокни , Алекс Кац , Малкольм Морли , Ральф Гоингс , Одри Флэк , Ричард Эстес , Чак Клоуз , Сьюзан Ротенберг , Эрик Фишль и Вия Селминс были лишь немногими, кто стал выдающимся человеком в период между 1960-ми и 1960-ми годами . 1980-е годы. Фэрфилд Портер был в основном самоучкой и создавал репрезентативные работы в разгар движения абстрактного экспрессионизма. Его сюжетами были в первую очередь пейзажи, домашние интерьеры и портреты семьи, друзей и коллег-художников.
Также в 1960-е и 1970-е годы наблюдалась реакция против живописи. Критики, такие как Дуглас Кримп, рассматривали работы таких художников, как Эд Рейнхардт , и заявили о «смерти живописи». Художники начали практиковать новые способы создания искусства. Новые движения приобрели известность, некоторые из них: Fluxus , Happening , Video art , инсталляционное искусство , мейл-арт , ситуационисты , концептуальное искусство , постминимализм , искусство Земли , арте повера , перформанс и боди-арт среди других. [69] [70]
Неодада – это также движение, которое зародилось в 1950-х и 1960-х годах и было связано с абстрактным экспрессионизмом только с помощью образов. Эту тенденцию, в которой промышленные предметы сочетаются с художественными материалами, иллюстрируют работы Джаспера Джонса и Роберта Раушенберга . «Комбинаты» Раушенберга 1950-х годов были предшественниками поп-арта и искусства инсталляции и использовали сборку крупных физических объектов, включая чучела животных, птиц и коммерческую фотографию. Раушенберг, Джонс, Ларри Риверс , Джон Чемберлен , Клаас Ольденбург , Джордж Сигал , Джим Дайн и Эдвард Кинхольц , среди других, создали новые традиции создания произведений искусства; они сделали приемлемым в серьезных кругах современного искусства радикальное включение необычных материалов в свои произведения искусства. [71] [72]
В течение 1960-х и 1970-х годов абстрактная живопись продолжала развиваться в Америке в различных стилях. Геометрическая абстракция , оп-арт, живопись с жесткими краями , живопись цветового поля и минимальная живопись - вот некоторые взаимосвязанные направления продвинутой абстрактной живописи, а также некоторые другие новые движения. Моррис Луи был важным пионером в современной живописи цветового поля . Его работы могут служить мостом между абстрактным экспрессионизмом , живописью цветового поля и минималистским искусством . Два влиятельных учителя, Йозеф Альберс и Ханс Хофманн , познакомили новое поколение американских художников со своими передовыми теориями цвета и пространства. Альберса больше всего помнят за его работы как художника и теоретика геометрического абстракционизма . Наиболее известны сотни картин и гравюр, составляющих серию «Посвящение площади» . В этой строгой серии, начатой в 1949 году, Альберс исследовал хроматические взаимодействия с плоскими цветными квадратами, расположенными концентрически на холсте. Теории Альберса об искусстве и образовании сыграли определяющую роль для следующего поколения художников. Его собственные картины составляют основу как жесткой живописи, так и оп-арта.
Йозеф Альберс, Ханс Хофманн, Илья Болотовский , Бургойн Диллер , Виктор Вазарели , Бриджит Райли , Ричард Анушкевич , Фрэнк Стелла , Моррис Луис , Кеннет Ноланд , [73] Элсуорт Келли , Джон Маклафлин , Барнетт Ньюман , Ларри Пунс , Рональд Дэвис , Джон Хойланд Ларри Зокс , Эл Хелд , Мино Ардженто [74] — художники , тесно связанные с геометрической абстракцией , оп-артом, живописью цветового поля, а в случае Хофмана и Ньюмана — с абстрактным экспрессионизмом. Агнес Мартин , Роберт Мангольд , Брайс Марден , Джо Баер , Роберт Райман , Ричард Таттл , Нил Уильямс, Дэвид Новрос , Пол Могенсон — примеры художников, связанных с минимализмом и (за исключением Мартина, Бэра и Мардена) использованием фигурного холста. также в период с начала 1960-х гг. Многие художники-геометристы-абстракционисты , минималисты и художники с жесткими краями предпочитали использовать края изображения для определения формы картины, а не принимать прямоугольный формат. Фактически, использование фигурного холста в первую очередь ассоциируется с картинами 1960-х и 1970-х годов, которые носят холодно-абстрактный, формалистический, геометрический, объективный, рационалистический, чистый, резкий или минималистичный характер. Галерея Bykert и галерея Park Place были важными витринами минимализма и фигурной живописи на холсте в Нью-Йорке в 1960-е годы.
Живопись Цветового поля указала на новое направление в американской живописи, вдали от абстрактного экспрессионизма . Связанный с пост-живописной абстракцией , супрематизмом , абстрактным экспрессионизмом, резкой живописью и лирической абстракцией , [75] Живопись цветового поля стремилась избавить искусство от лишней риторики. Такие художники, как Клиффорд Стилл , Марк Ротко , Ганс Хофманн, Моррис Луи , Жюль Олицки , Кеннет Ноланд , Хелен Франкенталер , Ларри Зокс и другие, рисовали с четко сформулированным и психологическим использованием цвета. В целом эти художники исключили узнаваемые образы. Некоторые художники ссылались на прошлое или настоящее искусство, но в целом живопись цветового поля представляет абстракцию как самоцель. Развивая это направление современного искусства , художники хотели представить каждую картину как один целостный, монолитный образ. Джин Дэвис вместе с Кеннетом Ноландом, Моррисом Луи и некоторыми другими был членом художников Вашингтонской школы цвета , которые начали создавать картины «Цветовое поле» в Вашингтоне, округ Колумбия, в 1950-х и 1960-х годах. «Черный, серый, бит» - это картина с большими вертикальными полосами и типичный для творчества Джина Дэвиса. Фрэнк Стелла , Кеннет Ноланд , Эллсуорт Келли , Барнетт Ньюман, Рональд Дэвис , Нил Уильямс , Роберт Мэнголд , Чарльз Хинман , Ричард Таттл , Дэвид Новрос и Эл Ловинг — примеры художников, связанных с использованием фигурного холста в период, начинающийся в начало 1960-х годов.
С 1960 года Фрэнк Стелла писал картины алюминиевой и медной краской, а в своих первых работах использовал фигурные холсты (холсты формы, отличной от традиционного прямоугольника или квадрата), часто имеющие L, N, U или T-образную форму. Позже они превратились в более сложные конструкции, например, в серии «Неправильный многоугольник» (1967). Позже он начал свою серию картин «Транспортир» (1971), в которой дуги , иногда перекрывающиеся, внутри квадратных границ расположены бок о бок, образуя полные и полукруги, окрашенные в кольца концентрического цвета. Harran II, 1967 год, является примером серии Protractor .
Галерея Андре Эммериха, Галерея Лео Кастелли , Галерея Ричарда Фейгена и Галерея Парк-Плейс были важными витринами живописи Цветового поля, фигурной живописи на холсте и Лирической абстракции в Нью-Йорке в 1960-е годы. Существует связь с постживописной абстракцией , которая реагировала на мистицизм абстрактного экспрессионизма, гиперсубъективность и упор на то, чтобы сделать сам акт живописи драматически видимым, а также на торжественное принятие плоского прямоугольника как почти ритуальной предпосылки для творчества. серьезная картина. В 1960-е годы живопись цветового поля и минимализм часто были тесно связаны друг с другом. На самом деле к началу 1970-х годов оба движения стали решительно разнообразными.
Лирическая абстракция (термин, придуманный Ларри Олдричем, основателем Музея современного искусства Олдрича в Риджфилде, Коннектикут), охватывала то, что, по словам Олдрича, он видел в студиях многих художников того времени. [76] Это также название выставки, которая возникла в Музее Олдрича и побывала в Музее американского искусства Уитни и других музеях по всей территории Соединенных Штатов в период с 1969 по 1971 год. [77] Лирическая абстракция - это тип свободной абстрактной живописи. который возник в середине 1960-х годов, когда художники-абстракционисты вернулись к различным формам живописного, живописного экспрессионизма с преобладающим акцентом на процесс, гештальт и повторяющиеся композиционные стратегии в целом. [78] [79] В отличие от живописи действия, где упор делается на мазки и высокий композиционный драматизм, в «Лирической абстракции», примером которой является картина Ронни Лэндфилда 1971 года «Сад наслаждений» , присутствует ощущение композиционной случайности, расслабленной композиционной драмы и акцент на процессе, повторении и общей чувствительности. Лирическая абстракция конца 1960-х годов характеризуется картинами Дэна Кристенсена , Ронни Лэндфилда, Питера Янга и других, а наряду с движением Флюксус и Постминимализмом (термин, впервые введенный Робертом Пинкус-Виттеном на страницах Artforum в 1969 году) [ 80] стремился расширить границы абстрактной живописи и минимализма, сосредоточив внимание на процессе, новых материалах и новых способах выражения. Постминимализм, часто включающий промышленные материалы, сырье, изделия, найденные предметы, инсталляцию, серийное повторение и часто со ссылками на дадаизм и сюрреализм, лучше всего иллюстрируется скульптурами Евы Гессе . [80] Лирическая абстракция, Концептуальное искусство , Постминимализм, Earth Art , Видео, Перформанс , Инсталляционное искусство , наряду с продолжением Fluxus, Абстрактный экспрессионизм, Живопись цветового поля, Живопись с жесткими краями, Минимальное искусство, Оп-арт, Поп-арт, Фотореализм и новый реализм расширили границы современного искусства с середины 1960-х по 1970-е годы. [81]
Одним из первых художников, специально связанных с минимализмом, был Фрэнк Стелла , чьи ранние «полосатые» картины были представлены на выставке 1959 года «16 американцев», организованной Дороти Миллер в Музее современного искусства в Нью-Йорке . Ширина полос на полосатых картинах Стеллы не была полностью субъективной, а определялась размерами пиломатериалов, использованных для изготовления несущего каркаса, на который был натянут холст. В каталоге выставки Карл Андре отметил: «Искусство исключает ненужное. Фрэнк Стелла счел необходимым нарисовать полосы. В его картинах больше ничего нет». Эти редуктивные работы резко контрастировали с энергичными и явно эмоционально заряженными картинами Виллема де Кунинга или Франца Клайна и больше склонялись к менее жестовым колористическим полевым картинам Барнетта Ньюмана и Марка Ротко .
Такие художники, как Ларри Пунс , чьи работы были связаны с оп-артом с его акцентом на точки, овалы и остаточные изображения, прыгающие по цветным полям, Кеннет Ноланд , Ральф Хамфри, Роберт Мазервелл и Роберт Райман , также начали исследовать полосы, монохроматические и хард-арты. Edge -форматы с конца 1950-х по 1960-е годы. [82]
Из-за тенденции минимализма исключать живописное, иллюзионистское и фиктивное в пользу буквального — как это продемонстрировал Роберт Мэнголд , который понимал концепцию формы холста и ее отношения к предметности — произошло движение от живописности и художественности. к скульптурным проблемам. Дональд Джадд начинал как художник, а закончил как создатель предметов. Его основополагающее эссе «Конкретные объекты» (опубликованное в «Ежегоднике искусств» 8, 1965 г.) стало пробным камнем теории формирования минималистской эстетики. В этом эссе Джадд нашел отправную точку для новой территории для американского искусства и одновременный отказ от остаточных унаследованных европейских художественных ценностей. Он указал на свидетельства этого развития в работах ряда художников, работавших в то время в Нью-Йорке, в том числе Джаспера Джонса, Дэна Флавина и Ли Бонтеку. «Предварительное» значение для Джадда имела работа Джорджа Эрла Ортмана [2], который конкретизировал и дистиллировал формы живописи в грубые, жесткие, философски заряженные геометрии. Эти Конкретные Объекты обитали в пространстве, которое тогда нельзя было классифицировать ни как живопись, ни как скульптуру. То, что категориальная идентичность таких объектов сама по себе подвергалась сомнению и что они избегали легкой ассоциации с заезженными и слишком знакомыми условностями, было частью их ценности для Джадда.
В гораздо более общем смысле европейские корни минимализма можно найти у художников- геометрических абстракционистов Баухауза , в работах Пита Мондриана и других художников, связанных с движением ДеСтейл, у русских конструктивистов и в работах румынского скульптора Константина . Брынкушь . Американские художники, такие как Брайс Марден и Сай Твомбли, демонстрируют явное европейское влияние в своей чистой абстракции, минималистской живописи 1960-х годов. Работы Рональда Дэвиса по полиуретану конца 1960-х годов отдают дань уважения «Разбитому стеклу» Марселя Дюшана . Это движение подверглось резкой критике со стороны искусствоведов и историков-модернистов-формалистов. Некоторые встревоженные критики считали, что минималистское искусство представляет собой неправильное понимание современной диалектики живописи и скульптуры, как ее определил критик Клемент Гринберг , возможно, доминирующий американский критик живописи в период, предшествовавший 1960-м годам. Наиболее заметная критика минимализма была произведена Майклом Фридом , критиком-гринбергистом, который возражал против этой работы на основании ее «театральности». В книге «Искусство и предметность» (опубликованной в «Артфоруме» в июне 1967 года) он заявил, что минималистское произведение искусства, особенно минималистская скульптура, основано на взаимодействии с телесностью зрителя. Он утверждал, что работы, подобные работе Роберта Морриса, превратили акт просмотра в своего рода спектакль , в котором были раскрыты хитрость наблюдения за действием и участие зрителя в произведении. Фрид рассматривал это смещение опыта зрителя от эстетического взаимодействия внутри к событию за пределами произведения искусства как провал минимализма.
Эд Рейнхардт , на самом деле художник поколения абстрактных экспрессионистов , чьи редуктивные полностью черные картины, казалось, предвосхищали минимализм, сказал следующее о ценности редуктивного подхода к искусству: «Чем больше в нем вещей, тем тяжелее работа. В искусстве тем хуже. Больше значит меньше. Меньше значит больше. Глаз — это угроза ясному зрению. Обнажение себя непристойно. Искусство начинается с избавления от природы». [83]
В 1960-х и 1970-х годах такие влиятельные и влиятельные художники, как Адольф Готлиб , Филип Гастон , Ли Краснер , Ричард Дибенкорн , Элмер Бишофф , Агнес Мартин , Сэм Фрэнсис , Джин Дэвис , Джоан Митчелл , Фридель Дзубас , и более молодые художники, такие как Сэм Гиллиам , Шон Скалли. Пэт Стейр , Элизабет Мюррей , Уолтер Дарби Баннард , Дэн Кристенсен , Джоан Снайдер, Ричард Таттл , Росс Блекнер , Арчи Рэнд , Сьюзен Крайл и десятки других создали жизненно важные и влиятельные картины.
Другие важные инновации в абстрактной живописи произошли в 1960-е и 1970-е годы, характеризующиеся монохромной живописью и живописью с жесткими краями, вдохновленными Эдом Рейнхардтом , Барнеттом Ньюманом , Милтоном Резником и Эллсвортом Келли. Такие разнообразные художники, как Эл Хелд , Ларри Зокс , Фрэнк Стелла , Ларри Пунс , Брайс Марден и другие, исследовали силу упрощения. Сближение живописи цветового поля , минимализма, жесткой живописи, лирической абстракции и постминимализма стирало различия между движениями, которые стали более очевидными в 1980-х и 1990-х годах. Движение неоэкспрессионизма связано с более ранними разработками абстрактного экспрессионизма, нео-дадаизма , лирической абстракции и постминималистской живописи.
В конце 1960-х годов художник-абстракционист Филип Гастон помог осуществить переход от абстрактного экспрессионизма к неоэкспрессионизму в живописи, отказавшись от так называемой «чистой абстракции» абстрактного экспрессионизма в пользу более мультяшных изображений различных личных символов и объектов. Эти работы вдохновили новое поколение художников, заинтересованных в возрождении выразительных образов. [84] Его картина «Живопись, курение, еда» является примером возвращения Гастона к репрезентации.
В конце 1970-х — начале 1980-х годов также произошло возвращение к живописи, произошедшее почти одновременно в Италии, Германии, Франции и Великобритании . Эти движения назывались Transavantguardia , Neue Wilde , Figuration Libre , [85] Неоэкспрессионизм , лондонская школа, а в конце 80-х — Stuckists соответственно. Для этих картин характерны большие форматы, свободная выразительность рисунка, фигуративность, миф и воображение. Все работы в этом жанре стали называть неоэкспрессионизмом .
Неоэкспрессионизм — стиль современной живописи, который стал популярным в конце 1970-х годов и доминировал на арт-рынке до середины 1980-х годов. Оно развилось в Европе как реакция на концептуальное и минималистическое искусство 1960-х и 1970-х годов. Неоэкспрессионисты вернулись к изображению узнаваемых объектов, таких как человеческое тело (хотя иногда и в практически абстрактной манере), в грубой и бурно эмоциональной манере, используя яркие цвета и банальные цветовые гармонии. Художники-ветераны Филип Гастон, Франк Ауэрбах , Леон Коссофф , Герхард Рихтер , А. Р. Пенк и Георг Базелиц , а также художники немного моложе Дэмиен Херст , Ансельм Кифер , американцы Эрик Фишль , Сьюзан Ротенберг , Дэвид Салле , Жан-Мишель Баския , Джулиан Шнабель и Кит Харинг , итальянцы Франческо Клементе , Миммо Паладино , Сандро Чиа и Энцо Кучки и многие другие стали известны благодаря работе в этом интенсивном экспрессионистском ключе живописи. Критическая реакция разделилась. Некоторые критики считали, что это вызвано стремлением крупных коммерческих галерей получить прибыль. [84]
Ансельм Кифер — ведущая фигура европейского неоэкспрессионизма. [86] К 1980-м годам темы Кифера расширились: от роли Германии в цивилизации до судьбы искусства и культуры в целом. Его работы стали более скульптурными и затрагивают не только национальную идентичность и коллективную память , но и оккультную символику, теологию и мистицизм . [87] Темой всей работы являются травмы, переживаемые целыми обществами, а также постоянное возрождение и обновление жизни.
Живопись по-прежнему занимает уважаемое место в современном искусстве . Искусство — это открытое поле, больше не разделенное дихотомией объективного и необъективного. Художники могут добиться успеха у критиков независимо от того, являются ли их изображения репрезентативными или абстрактными. Что имеет ценность, так это содержание, исследование границ среды и отказ от повторения произведений прошлого как конечной цели. [88] [89] [90]
На протяжении 20-го века и в 21-м веке, с появлением форм современного и постмодернистского искусства, различия между тем, что обычно считается изобразительным искусством, и низким искусством начали исчезать, [91] поскольку современное высокое искусство продолжает бросать вызов этим искусствам. концепции путем смешивания с популярной культурой . [92]
Мейнстримная живопись была отвергнута художниками эпохи постмодерна в пользу художественного плюрализма . [93] По мнению искусствоведа Артура Данто, преобладает подход «все, что угодно»; синдром «все происходит» и, следовательно, «ничего не происходит»; это создает эстетическую пробку без четкого и четкого направления, и каждая полоса на художественной супермагистрали заполнена до отказа. [94]
О последствиях печати Гутенберга
_being_suckled_by_a_doe_in_the_tem_Wellcome_V0015047.jpg/1280px-Telephus_(son_of_Hercules)_being_suckled_by_a_doe_in_the_tem_Wellcome_V0015047.jpg)
.jpg/1280px-Ascension_from_Vasilyevskiy_chin_(15th_c.,_GTG).jpg)
_Altare_Monforte_-_Adorazione_dei_Magi_(1470_circa)_-_Tecnica_olio_su_tavola_Dimensioni_147%C3%97242_cm_-_Gem%C3%A4ldegalerie,_Berlin.jpg/1280px-thumbnail.jpg)
.jpg/1280px-Das_J%C3%BCngste_Gericht_(Memling).jpg)
.jpg/1280px-Madonna_and_Child_(Filippo_Lippi).jpg)
_-_Google_Art_Project.jpg/1280px-Sir_Anthony_Van_Dyck_-_Charles_I_(1600-49)_-_Google_Art_Project.jpg)
_-_Museo_Nacional_Thyssen-Bornemisza_Madrid.jpg/1280px-Giambattista_Tiepolo_-_La_morte_di_Giacinto_(1752-53)_-_Museo_Nacional_Thyssen-Bornemisza_Madrid.jpg)
.jpg/1280px-Fran%C3%A7ois_Boucher,_Ruhendes_M%C3%A4dchen_(1751,_Wallraf-Richartz_Museum).jpg)
.jpg/1280px-JEAN_LOUIS_TH%C3%89ODORE_G%C3%89RICAULT_-_La_Balsa_de_la_Medusa_(Museo_del_Louvre,_1818-19).jpg)
![Анри Руссо, 1905 год, причина появления термина «фовизм»] и оригинальный «Дикий зверь».](http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/2/25/Rousseau-Hungry-Lion.jpg/1280px-Rousseau-Hungry-Lion.jpg)
,_oil_on_canvas,_52.1_x_54.6_cm,_Stiftung_Sammlung_E.G._B%C3%BChrle,_Zurich.jpg/1280px-Wassily_Kandinsky,_1903,_The_Blue_Rider_(Der_Blaue_Reiter),_oil_on_canvas,_52.1_x_54.6_cm,_Stiftung_Sammlung_E.G._B%C3%BChrle,_Zurich.jpg)
.jpg/1280px-The_dining_room_in_the_country_by_Pierre_Bonnard_(1913).jpg)
,_40_x_46_cm,_Kunsthalle_Hamburg.jpg/1280px-Robert_Delaunay,_1912,_Les_Fen%C3%AAtres_simultan%C3%A9e_sur_la_ville_(Simultaneous_Windows_on_the_City),_40_x_46_cm,_Kunsthalle_Hamburg.jpg)
