Модернизм — философское , религиозное и художественное движение , возникшее в результате широких преобразований в западном обществе в конце 19 — начале 20 веков. Движение отражало стремление к созданию новых форм искусства, философии и социальной организации, которые отражали недавно возникающий индустриальный мир , включая такие особенности, как урбанизация , архитектура, новые технологии и война. Художники пытались отойти от традиционных видов искусства, которые они считали устаревшими или устаревшими. Приказ поэта Эзры Паунда в 1934 году «Сделать это новым» стал пробным камнем подхода движения.
Модернистские инновации включали абстрактное искусство , роман о потоке сознания , монтажное кино , атональную и двенадцатитоновую музыку, дивизионистскую живопись и современную архитектуру . Модернизм явно отверг идеологию реализма [a] [2] [3] и использовал произведения прошлого путем повторения , включения , переписывания, перепросмотра , пересмотра и пародии . [b] [c] [4] Модернизм также отвергал определенность мышления Просвещения , и многие модернисты также отвергали религиозные убеждения. [5] [d] Примечательной характеристикой модернизма является застенчивость в отношении художественных и социальных традиций, которая часто приводила к экспериментам с формой, а также к использованию техник, которые привлекали внимание к процессам и материалам, используемым при создании произведений искусства. [7]
В то время как некоторые ученые считают, что модернизм продолжится и в 21 веке, другие видят, что он развивается в поздний модернизм или высокий модернизм . [8] Постмодернизм представляет собой отход от модернизма и отвергает его основные положения. [9] [10] [11]
Некоторые комментаторы определяют модернизм как образ мышления — одну или несколько философски определенных характеристик, таких как самосознание или самореференция, которые пронизывают все новинки в искусстве и дисциплинах. [12] Более распространены, особенно на Западе, те, кто рассматривает это как социально прогрессивное направление мысли, которое подтверждает способность людей создавать, улучшать и изменять свою окружающую среду с помощью практических экспериментов, научных знаний или технологии. [д] С этой точки зрения модернизм поощрял переосмысление каждого аспекта существования, от коммерции до философии, с целью найти то, что сдерживает прогресс , и заменить это новыми способами достижения той же цели.
По мнению Роджера Гриффина , модернизм можно определить как широкую культурную, социальную или политическую инициативу, поддерживаемую идеалом «временности нового». Модернизм стремился восстановить, пишет Гриффин, «чувство возвышенного порядка и цели в современном мире, тем самым противодействуя (предполагаемой) эрозии всеобъемлющего « номоса », или «священного купола», под фрагментирующим и секуляризирующим воздействием современности. " Таким образом, явления, явно не связанные друг с другом, такие как « экспрессионизм» , футуризм , витализм , теософия , психоанализ , нудизм, евгеника , утопическое градостроительство и архитектура, современный танец , большевизм , органический национализм – и даже культ самопожертвования, который поддерживал гекатомба Первой мировой войны – раскрыть общую причину и психологическую матрицу в борьбе с (предполагаемым) упадком». Все они воплощают попытки получить доступ к «надличностному опыту реальности», в котором люди верили, что могут превзойти свою собственную смертность и, в конечном итоге, перестать быть жертвами истории и вместо этого стать ее творцами. [14]
Литературный модернизм часто резюмируют словами У.Б. Йейтса : «Всё разваливается; центр не может удержаться» (во « Втором пришествии »). [15] Модернисты часто ищут метафизический «центр», но переживают его крах. [16] ( Постмодернизм , напротив, прославляет этот крах, разоблачая провал метафизики, например, в деконструкции метафизических утверждений Жака Деррида . ) [17]
С философской точки зрения крах метафизики можно проследить до шотландского философа Дэвида Юма (1711–1776), который утверждал, что мы никогда на самом деле не воспринимаем одно событие как причину другого. Мы лишь переживаем « постоянное соединение » событий и не воспринимаем метафизическую «причину». Точно так же Юм утверждает (не используя фактические термины), что мы никогда не знаем себя как объекта, а только себя как субъекта, и, таким образом, мы слепы к нашей истинной природе. [18] В более общем смысле, если мы «знаем» только через чувственный опыт (видение, прикосновение и т. д.), тогда мы не можем «знать» или делать метафизические утверждения.
Таким образом, модернизм часто эмоционально движим стремлением к метафизическим истинам, хотя и понимает их невозможность. В модернистских романах, например, фигурируют такие персонажи, как Марлоу в « Сердце тьмы» или Ник Кэррауэй в «Великом Гэтсби» , которые верят, что открыли некую великую истину о природе или характере, истины, к которым сами романы относятся иронически, предлагая более приземленные объяснения. [19] Точно так же многие стихотворения Уоллеса Стивенса борются с чувством значимости природы и делятся на два раздела: стихи, в которых говорящий отрицает, что природа имеет значение, только для того, чтобы природа вырисовывалась к концу стихотворения; и стихи, в которых говорящий утверждает, что природа имеет смысл, но к концу стихотворения этот смысл рушится.
Модернизм часто отвергает реализм девятнадцатого века , если последний понимается как сосредоточение внимания на воплощении смысла в натуралистическом представлении. В то же время некоторые модернисты стремятся к более «реальному» реализму, децентрированному. Протокубистская картина Пикассо «Авиньонские девицы» 1907 года (см. рисунок выше) не представляет свои предметы с единой точки зрения (точки зрения одного зрителя), а вместо этого представляет плоскую, двумерную картинную плоскость . «Поэт» 1911 года также децентрирован, представляя тело со всех точек зрения. Как говорится на веб-сайте «Коллекции Пегги Гуггенхайм», «Пикассо представляет несколько видов каждого объекта, как если бы он перемещался вокруг него, и синтезирует их в одно составное изображение». [20]
Модернизм с его ощущением, что «все разваливается», можно рассматривать как апофеоз романтизма , если романтизм — это (часто безуспешный) поиск метафизических истин о характере, природе, Боге и смысле мира. [21] Модернизм часто стремится к романтическому или метафизическому центру, но находит лишь его крах.
Это различие между модернизмом и романтизмом распространяется и на их подходы к «символу». Романтики порой видят существенное отношение («основа») между символом («транспортным средством», в терминах И.А. Ричардса ) [22] и его «тенором» (его значением) — например, в описании природы Кольриджем. как «тот вечный язык, который твой Бог / Произносит». [23] Но хотя природа и ее символы могут быть языком Бога, для некоторых теоретиков-романтиков они остаются непостижимыми. Как говорил Гете (не совсем романтик), «идея [или смысл] остается вечно и бесконечно активной и недоступной в изображении». [24] Это было расширено в модернистской теории, которая, опираясь на своих предшественников -символистов , часто подчеркивает непостижимость и несостоятельность символа и метафоры — например, у Стивенса, который ищет и не может найти смысл в природе, даже если временами кажется, что он чувствует такое значение. Таким образом, символисты и модернисты иногда применяют мистический подход, чтобы предложить иррациональное ощущение смысла. [25]
По этим причинам модернистские метафоры часто неестественны, как, например, в описании Т. С. Элиотом вечера, «распространенного на фоне неба / Подобно пациенту, эфиризированному на столе». [26] Точно так же у многих более поздних поэтов-модернистов природа ненатурализована, а иногда и механизирована, как, например, в изображении Стивена Оливера луны, деловито «поднимающей» себя в сознание. [27]
По мнению критика, модернизм развился из бунта романтизма против последствий промышленной революции и буржуазных ценностей: «Основным мотивом модернизма, утверждает Графф , была критика буржуазного социального порядка девятнадцатого века и его мировоззрения [. ..] модернисты, несущие факел романтизма». [a] [2] [3] В то время как Дж. М. У. Тернер (1775–1851), один из величайших художников-пейзажистов 19-го века, был членом романтического движения , как «пионер в изучении света, цвета и атмосфера», он «предвосхитил французских импрессионистов » и, следовательно, модернизм «в разрушении традиционных формул изображения; [хотя] в отличие от них, он считал, что его работы всегда должны выражать важные исторические, мифологические, литературные или другие повествовательные темы». [29]
Примерно с 1850 года господствующим тенденциям индустриальной викторианской Англии противостояли английские поэты и художники, входившие в Братство прерафаэлитов , из-за их «противления техническому мастерству без вдохновения». [30] : 815 На них повлияли труды искусствоведа Джона Раскина (1819–1900), который глубоко осознавал роль искусства в улучшении жизни городского рабочего класса в быстро расширяющихся промышленных городах. Британии. [30] : 816 Искусствовед Клемент Гринберг описывает Братство прерафаэлитов как прото-модернистов: «Там прото-модернисты были, из всех людей, прерафаэлитами (и даже до них, как прото-прото-модернисты, Немецкие назаряне ). Прерафаэлиты фактически предвосхитили Мане (1832–1883), с которого определенно начинается модернистская живопись. Они действовали на основе неудовлетворенности живописью, практиковавшейся в их время, считая ее реализм недостаточно правдивым». [31] У рационализма также были противники в лице философов Сёрена Кьеркегора (1813–1855) [32] и позднее Фридриха Ницше (1844–1900), оба из которых оказали значительное влияние на экзистенциализм и нигилизм . [33] : 120
Однако промышленная революция продолжалась. Влиятельные инновации включали в себя паровую индустриализацию и особенно развитие железных дорог, начавшееся в Великобритании в 1830-х годах [34] и последующие достижения в физике, технике и архитектуре, связанные с этим. Главным инженерным достижением XIX века стал Хрустальный дворец , огромный выставочный зал из чугуна и листового стекла, построенный для Великой выставки 1851 года в Лондоне. Стекло и железо использовались в аналогичном монументальном стиле при строительстве крупных железнодорожных вокзалов Лондона , таких как вокзал Паддингтон (1854 г.) [35] и вокзал Кингс-Кросс (1852 г.). [36] Эти технологические достижения привели к строительству более поздних сооружений, таких как Бруклинский мост (1883 г.) и Эйфелева башня (1889 г.). Последний сломал все предыдущие ограничения на высоту искусственных объектов. Эти чудеса инженерной мысли радикально изменили городскую среду XIX века и повседневную жизнь людей. Человеческое восприятие времени само по себе изменилось с развитием электрического телеграфа в 1837 году [37] и принятием стандартного времени британскими железнодорожными компаниями с 1845 года, а также во всем остальном мире в течение следующих пятидесяти лет. [38]
Несмотря на продолжающийся технологический прогресс, идея о том, что история и цивилизация по своей сути прогрессивны и что прогресс всегда хорош, в девятнадцатом веке подвергалась все более нападкам. Возникли аргументы в пользу того, что ценности художника и общества не просто различны, но и что Общество противоречит прогрессу и не может двигаться вперед в своей нынешней форме. В начале века философ Шопенгауэр (1788–1860) ( «Мир как воля и представление» , 1819) поставил под сомнение прежний оптимизм, и его идеи оказали важное влияние на более поздних мыслителей, включая Ницше. [32] Двумя наиболее значительными мыслителями середины девятнадцатого века были биолог Чарльз Дарвин (1809–1882), автор книги « Происхождение видов посредством естественного отбора» (1859), и политолог Карл Маркс (1818–1883). , автор «Капитала» (1867). Теория Дарвина об эволюции путем естественного отбора подорвала религиозную уверенность и идею человеческой уникальности. В частности, оказалось, что представление о том, что людьми движут те же импульсы, что и «низшие животные», трудно согласовать с идеей облагораживающей духовности. [39] Карл Маркс утверждал, что внутри капиталистической системы существуют фундаментальные противоречия и что рабочие совсем не свободны. [40]
Историки и писатели разных дисциплин предлагали разные даты в качестве отправной точки модернизма. Историк Уильям Эверделл , например, утверждал, что модернизм зародился в 1870-х годах, когда метафорическая (или онтологическая ) непрерывность начала уступать место дискретному с дедекиндовским разрезом математика Ричарда Дедекинда (1831–1916) и Людвига Больцмана (1844). –1906) статистическая термодинамика . [12] Эверделл также считает, что модернизм в живописи начался в 1885–1886 годах с « Дивизионизма » Сёра , «точек», используемых для написания « Воскресного дня на острове Ла-Гранд-Жатт» . С другой стороны, критик визуального искусства Клемент Гринберг назвал Иммануила Канта (1724–1804) «первым настоящим модернистом», [41] хотя он также писал: «То, что можно с уверенностью назвать модернизмом, возникло в середине прошлого века — и скорее локально, во Франции, с Бодлером в литературе и Мане в живописи, а может быть, и с Флобером в прозе (немного позже, и не так локально, модернизм появился в музыке и архитектуре )». [31] « Цветы зла » поэта Бодлера и роман Флобера « Мадам Бовари » были опубликованы в 1857 году. Эссе Бодлера « Художник современной жизни » (1863) вдохновило молодых художников порвать с традициями и вводить новшества. новые способы изображения своего мира в искусстве.
В искусстве и литературе во Франции, начиная с 1860-х годов, отдельно развивались два важных подхода. Первым был импрессионизм , школа живописи, которая изначально ориентировалась на работы, выполняемые не в студиях, а на открытом воздухе ( на пленэре ). Картины импрессионистов пытались передать, что люди не видят объекты, а видят сам свет. Школа собрала приверженцев, несмотря на внутренние разногласия среди ее ведущих практиков, и становилась все более влиятельной. Первоначально отвергнутые самой важной коммерческой выставкой того времени, спонсируемым правительством Парижским Салоном , импрессионисты организовали ежегодные групповые выставки в коммерческих местах в 1870-х и 1880-х годах, приурочив их к официальному Салону. Значимым событием 1863 года стал Салон отказников , созданный императором Наполеоном III для демонстрации всех картин, отвергнутых Парижским салоном. Хотя большинство из них были выполнены в стандартных стилях, но выполнены художниками низшего уровня, работы Мане привлекли огромное внимание и открыли коммерческие двери для этого движения. Второй французской школой был символизм , который историки литературы видят начиная с Шарля Бодлера (1821–1867) и включая более поздних поэтов, Артюра Рембо (1854–1891), Une Saison en Enfer ( «Время в аду» , 1873), Поля Верлена ( 1844–1896), Стефан Малларме (1842–1898) и Поль Валери (1871–1945). Символисты «подчеркивали приоритет внушения и воспоминания над прямым описанием и явной аналогией» и особенно интересовались «музыкальными свойствами языка». [42]
Можно сказать, что кабаре , давшее начало столь многим искусствам модернизма, включая непосредственных предшественников кино, зародилось во Франции в 1881 году с открытия «Черной кошки» на Монмартре , начала иронического монолога и основание Общества бессвязных искусств. [43]
На заре модернизма влияние оказали теории Зигмунда Фрейда (1856–1939). Первой крупной работой Фрейда были «Исследования истерии» (совместно с Йозефом Брейером , 1895). Центральное место в мышлении Фрейда занимает идея «примата бессознательного в психической жизни», так что вся субъективная реальность основывалась на игре основных влечений и инстинктов, посредством которых воспринимался внешний мир. Описание субъективных состояний Фрейдом включало в себя бессознательное, полное первичных импульсов и уравновешивающее добровольно наложенные ограничения, вытекающие из социальных ценностей. [30] : 538
Фридрих Ницше (1844–1900) был еще одним крупным предшественником модернизма [45] с философией, в которой центральное значение имели психологические побуждения, в частности « воля к власти » ( Wille zur Macht ): «Ницше часто отождествлял саму жизнь с «воля к власти», то есть инстинкт роста и долговечности». [46] [47] Анри Бергсон (1859–1941), с другой стороны, подчеркивал разницу между научным, часовым временем и прямым, субъективным, человеческим опытом времени. [33] : 131 Его работа о времени и сознании «оказала большое влияние на романистов двадцатого века», особенно на тех модернистов, которые использовали технику потока сознания , таких как Дороти Ричардсон , Джеймс Джойс и Вирджиния Вульф (1882–1941). . [48] Также важной в философии Бергсона была идея жизненного порыва , жизненной силы, которая «вызывает творческую эволюцию всего». [33] : 132 Его философия также придавала большое значение интуиции , хотя и не отвергала важность интеллекта. [33] : 132
Важными литературными предшественниками модернизма были Федор Достоевский (1821–1881), написавший романы «Преступление и наказание» (1866) и «Братья Карамазовы» (1880); [49] Уолт Уитмен (1819–1892), опубликовавший сборник стихов «Листья травы» (1855–1891); и Август Стриндберг (1849–1912), особенно его более поздние пьесы, включая трилогию « В Дамаск 1898–1901», «Пьеса мечты» (1902) и «Соната-призрак » (1907). Генри Джеймс также был предложен в качестве важного предшественника еще в работе « Портрет дамы» (1881). [50]
В результате столкновения идеалов, заимствованных из романтизма, и попытки найти способ познания для объяснения того, что было еще неизвестным, возникла первая волна работ первого десятилетия ХХ века, которые, хотя их авторы считали их Расширение существующих тенденций в искусстве нарушило неявный договор с широкой публикой, согласно которому художники были интерпретаторами и представителями буржуазной культуры и идей. Эти «модернистские» вехи включают атональный финал Второго струнного квартета Арнольда Шенберга в 1908 году, экспрессионистские картины Василия Кандинского , начавшиеся в 1903 году и завершившиеся его первой абстрактной картиной и основанием группы « Синий всадник» в Мюнхене в 1911 году. и рост фовизма и изобретений кубизма в студиях Анри Матисса , Пабло Пикассо , Жоржа Брака и других в период между 1900 и 1910 годами.
.jpg/1280px-Woluwe-St-Pierre_-_Hoffmann_050917_(1).jpg)
Важным аспектом модернизма является то, как он относится к традиции посредством принятия таких методов, как реприза, инкорпорация, переписывание, перепросмотр, пересмотр и пародия в новых формах. [До нашей эры]
Т. С. Элиот сделал важные комментарии по поводу отношения художника к традиции, в том числе: «[Мы] часто обнаруживаем, что не только лучшие, но и самые индивидуальные части творчества [поэта] могут быть теми, в которых умершие поэты , его предки, наиболее энергично утверждают свое бессмертие». [53] Однако отношения модернизма с традицией были сложными, как указывает литературовед Питер Чайлдс: «Существовали парадоксальные, если не противоположные тенденции к революционным и реакционным позициям, страх перед новым и восторг по поводу исчезновения старого, нигилизм и фанатичный энтузиазм, творчество и отчаяние». [4]
Примером того, как модернистское искусство может быть одновременно революционным и в то же время связанным с традициями прошлого, является музыка композитора Арнольда Шенберга . С одной стороны, Шенберг отверг традиционную тональную гармонию , иерархическую систему организации музыкальных произведений, которая руководила созданием музыки на протяжении как минимум полутора веков. Он считал, что открыл совершенно новый способ организации звука, основанный на использовании двенадцатинотных рядов . И хотя это было действительно совершенно новое явление, его истоки можно проследить в творчестве более ранних композиторов, таких как Ференц Лист , [54] Рихард Вагнер , Густав Малер , Рихард Штраус и Макс Регер . [55] [56] Шенберг также писал тональную музыку на протяжении всей своей карьеры.
В мире искусства в первом десятилетии 20-го века такие молодые художники, как Пабло Пикассо и Анри Матисс , вызвали шок своим отказом от традиционной перспективы как средства структурирования картин, [57] [58] хотя импрессионисты Моне уже был новатором в использовании перспективы. [59] В 1907 году, когда Пикассо писал картину «Авиньонские девицы» , Оскар Кокошка писал «Мёрдер, Hoffnung der Frauen » ( «Убийца, Надежда женщин »), первую экспрессионистскую пьесу (со скандалом поставленную в 1909 году), а Арнольд Шенберг сочинял его струнный квартет № 2 фа-диез минор (1908), его первое сочинение без тонального центра.
Основное влияние, которое привело к кубизму , было изображением трехмерной формы в поздних работах Поля Сезанна , которые были показаны на ретроспективе на Осеннем салоне 1907 года . [60] В кубистских произведениях объекты анализируются, разбиваются и собираются заново в абстрактной форме; вместо того, чтобы изображать объекты с одной точки зрения, художник изображает предмет с множества точек зрения, чтобы представить предмет в более широком контексте. [61] Кубизм впервые был представлен вниманию широкой публики в 1911 году на Салоне Независимых в Париже (проходил с 21 апреля по 13 июня). Жан Метцингер , Альбер Глейз , Анри Ле Фоконье , Робер Делоне , Фернан Леже и Роже де Ла Френе были показаны вместе в Комнате 41, спровоцировав «скандал», в результате которого возник кубизм и распространился по всему Парижу и за его пределами. Также в 1911 году Кандинский написал Bild mit Kreis ( «Картина с кругом »), которую позже назвал первой абстрактной картиной. [62] : 167 В 1912 году Метцингер и Глейз написали первый (и единственный) крупный кубистский манифест « Du «Cubisme» , опубликованный как раз к Салону де ла Секция д'Ор , крупнейшей кубистической выставке на сегодняшний день. В 1912 году Метцингер нарисовал и выставил свои очаровательные «La Femme au Cheval» («Женщина с лошадью») и «Danseuse au Café» (« Танцовщица в кафе ») . Альбер Глез нарисовал и выставил свои «Les Baigneuses» («Купальщицы») и монументальный «Le Dépiquage des Moissons» (« Обмолот урожая ») . Эта работа, наряду с «La Ville de Paris» ( «Город Париж» ) Робера Делоне , была самой крупной и амбициозной кубистской картиной, созданной в довоенный кубистский период. [63]
В 1905 году группа из четырех немецких художников во главе с Эрнстом Людвигом Кирхнером сформировала Die Brücke («Мост») в городе Дрездене . Возможно, это была организация-основатель немецкого экспрессионистского движения, хотя само это слово они не использовали. Несколько лет спустя, в 1911 году, группа молодых художников-единомышленников сформировала в Мюнхене Der Blaue Reiter («Синий всадник»). Название произошло от картины Василия Кандинского « Синий всадник» 1903 года. Среди их членов были Кандинский, Франц Марк , Пауль Клее и Август Макке . Однако термин « экспрессионизм» не утвердился прочно до 1913 года . не были немцами. Кроме того, были писатели-экспрессионисты в прозе, а также писатели-экспрессионисты, не говорящие по-немецки, и, хотя движение в Германии пришло в упадок с приходом к власти Адольфа Гитлера в 1930-х годах, появились последующие экспрессионистские работы.
Экспрессионизму, как известно, трудно дать определение, отчасти потому, что он «пересекается с другими основными «измами» модернистского периода: с футуризмом , вортицизмом , кубизмом , сюрреализмом и дадаизмом ». [66] Ричард Мерфи также комментирует: «поиск всеобъемлющего определения проблематичен до такой степени, что самые смелые экспрессионисты», такие как писатель Франц Кафка , поэт Готфрид Бенн и писатель Альфред Дёблин, были одновременно самыми громогласными анти- экспрессионисты. [67] : 43 Однако можно сказать, что это было движение, которое развилось в начале 20-го века главным образом в Германии в качестве реакции на дегуманизирующий эффект индустриализации и роста городов, и что «одним из центральных Средством, с помощью которого экспрессионизм идентифицирует себя как авангардное движение и с помощью которого он отмечает свою дистанцию от традиций и культурного института в целом, является его отношение к реализму и доминирующим конвенциям репрезентации». [67] : 43 Более явно: экспрессионисты отвергли идеологию реализма. [67] : 43–48 [68] В начале 20-го века в немецком театре существовало концентрированное экспрессионистское движение, самыми известными драматургами которого были Георг Кайзер и Эрнст Толлер . Среди других известных драматургов-экспрессионистов были Рейнхард Зорге , Вальтер Хазенклевер , Ганс Хенни Янн и Арнольт Броннен . Они вспоминали шведского драматурга Августа Стриндберга и немецкого актера и драматурга Франка Ведекинда как предшественников своих драматургических экспериментов. « Убийца , надежда женщин» Оскара Кокошки стала первой полностью экспрессионистской работой театра, открывшегося 4 июля 1909 года в Вене . [69] Чрезвычайное упрощение персонажей до мифических типов , хоровые эффекты, декламационный диалог и повышенная интенсивность станут характерными для более поздних экспрессионистских пьес. Первой полнометражной экспрессионистской пьесой стал «Сын » Уолтера Хазенклевера, опубликованный в 1914 году и впервые исполненный в 1916 году .
Футуризм – еще одно модернистское движение. [71] В 1909 году парижская газета «Фигаро» опубликовала первый манифест Ф. Т. Маринетти . Вскоре после этого группа художников ( Джакомо Балла , Умберто Боччони , Карло Карра , Луиджи Руссоло и Джино Северини ) подписали Манифест футуристов . Созданные по образцу знаменитого « Манифеста Коммунистической партии » Маркса и Энгельса (1848 г.), такие манифесты выдвигали идеи, призванные спровоцировать и собрать последователей. Однако аргументы в пользу геометрической или чисто абстрактной живописи в то время в основном ограничивались «маленькими журналами», имевшими лишь крошечные тиражи. Модернистский примитивизм и пессимизм были противоречивыми, и мейнстрим в первом десятилетии 20-го века все еще был склонен к вере в прогресс и либеральному оптимизму.
Художники -абстракционисты , взяв за пример импрессионистов , а также Поля Сезанна (1839–1906) и Эдварда Мунка (1863–1944), начали с предположения, что цвет и форма , а не изображение мира природы, формируют основные характеристики. искусства. [73] Западное искусство , от эпохи Возрождения до середины XIX века, было подкреплено логикой перспективы и попыткой воспроизвести иллюзию видимой реальности. Искусство культур, отличных от европейской, стало доступным и показало художнику альтернативные способы описания визуального опыта. К концу XIX века многие художники почувствовали необходимость создания нового вида искусства, который бы охватывал фундаментальные изменения, происходящие в технике, науке и философии. Источники, из которых отдельные художники черпали свои теоретические аргументы, были разнообразны и отражали социальные и интеллектуальные проблемы во всех областях западной культуры того времени. [74] Василий Кандинский , Пит Мондриан и Казимир Малевич верили в переосмысление искусства как аранжировки чистого цвета. Использование фотографии, которая сделала большую часть репрезентативной функции изобразительного искусства устаревшей, сильно повлияло на этот аспект модернизма. [75]
Модернистские архитекторы и дизайнеры, такие как Фрэнк Ллойд Райт [76] и Ле Корбюзье , [77] считали, что новые технологии сделали старые стили строительства устаревшими. Ле Корбюзье считал, что здания должны функционировать как «машины для жизни», аналогичные автомобилям, которые он считал машинами для путешествий. [78] Подобно тому, как автомобили заменили лошадь, модернистский дизайн должен отвергнуть унаследованные старые стили и структуры. из Древней Греции или из Средневековья . Следуя этой машинной эстетике, дизайнеры-модернисты обычно отказывались от декоративных мотивов в дизайне, предпочитая подчеркивать используемые материалы и чистые геометрические формы. [79] Небоскреб является типичным модернистским зданием, а Уэйнрайт-билдинг , 10-этажное офисное здание, построенное в 1890–91 годах в Сент -Луисе, штат Миссури , США, является одним из первых небоскребов в мире. [80] Здание Сиграм-билдинг Людвига Миса ван дер Роэ в Нью-Йорке (1956–1958) часто считается вершиной модернистской высотной архитектуры. [81] Многие аспекты модернистского дизайна по-прежнему сохраняются в рамках современной архитектуры , хотя предыдущий догматизм уступил место более игривому использованию декора, исторических цитат и пространственной драмы.
В 1913 году, который был годом идей философа Эдмунда Гуссерля , квантового атома физика Нильса Бора , основания имажинизма Эзрой Паундом , Оружейной выставки в Нью-Йорке и «первой футуристической оперы» в Санкт-Петербурге , Михаил « Победа над Солнцем» Матюшина — другой русский композитор Игорь Стравинский написал «Весну священную» , балет, изображающий человеческие жертвоприношения , и имеющий музыкальную партитуру, полную диссонансов и примитивного ритма. Это вызвало бурю негодования во время его первого выступления в Париже. В то время, хотя модернизм все еще был «прогрессивным», он все больше рассматривал традиционные формы и традиционные социальные устройства как препятствия прогрессу и превращал художника в революционера, занимающегося ниспровержением, а не просвещением общества. Также в 1913 году во Франции произошло менее жестокое событие: был опубликован первый том важной серии романов Марселя Пруста «À la recherche du temps perdu» (1913–1927) (« В поисках утраченного времени »). Это часто представляют как ранний пример того, как писатель использовал технику потока сознания , но Роберт Хамфри отмечает, что Пруст «занимается только воспоминающим аспектом сознания» и что он «намеренно возвращался к прошлому с целью общения; следовательно, он не написал роман о потоке сознания». [82]
Поток сознания был важным модернистским литературным нововведением, и было высказано предположение, что Артур Шницлер (1862–1931) был первым, кто в полной мере использовал его в своем рассказе «Лейтнант Густл» («Никто, кроме храбрых») (1900). ). [83] Дороти Ричардсон была первой английской писательницей, которая использовала его в первых томах своего романа «Паломничество» (1915–1967). [g] Среди других писателей-модернистов, которые связаны с использованием этой повествовательной техники, - Джеймс Джойс в «Улиссе » (1922) и Итало Свево в «La coscienza di Zeno» (1923). [85]
Однако с началом Великой войны 1914–1918 годов и Русской революции 1917 года мир радикально изменился, и верования и институты прошлого подверглись сомнению. Несостоятельность предыдущего статус-кво казалась самоочевидной для поколения, которое видело, как миллионы людей умирали, сражаясь за клочки земли: до 1914 года утверждалось, что никто не будет вести такую войну, поскольку цена была слишком высока. Рождение века машин, внесшего серьезные изменения в условия повседневной жизни в XIX веке, теперь радикально изменило характер войны. Травматический характер недавнего опыта изменил основные представления, и реалистичное изображение жизни в искусстве казалось неадекватным перед лицом фантастически сюрреалистической природы позиционной войны . Представление о том, что человечество совершает устойчивый моральный прогресс, теперь казалось смешным перед лицом бессмысленной бойни, описанной в таких произведениях, как роман Эриха Марии Ремарка «На Западном фронте без перемен» (1929). Таким образом, модернистский взгляд на реальность, который до войны был присущ меньшинству, стал более общепринятым в 1920-е годы.
В литературе и изобразительном искусстве некоторые модернисты стремились бросить вызов ожиданиям главным образом для того, чтобы сделать свое искусство более ярким или заставить аудиторию потрудиться подвергнуть сомнению свои собственные предубеждения. Этот аспект модернизма часто казался реакцией на культуру потребления , которая развилась в Европе и Северной Америке в конце 19 века. В то время как большинство производителей пытаются производить продукцию, которая будет продаваться на рынке, апеллируя к предпочтениям и предрассудкам, высокие модернисты отвергают такое потребительское отношение, чтобы подорвать традиционное мышление. Искусствовед Клемент Гринберг изложил эту теорию модернизма в своем эссе « Авангард и китч» . [86] Гринберг называл продукты потребительской культуры « китчем », потому что их дизайн был направлен просто на максимальную привлекательность, при этом были удалены все сложные функции. Таким образом, для Гринберга модернизм сформировал реакцию против развития таких примеров современной потребительской культуры, как коммерческая популярная музыка , Голливуд и реклама. Гринберг связывал это с революционным отказом от капитализма.
Некоторые модернисты считали себя частью революционной культуры, включающей политическую революцию. В России после революции 1917 года действительно первоначально наблюдался расцвет авангардной культурной деятельности, включая русский футуризм . Однако другие отвергали традиционную политику, а также художественные условности, полагая, что революция политического сознания имеет большее значение, чем изменение политических структур. Но многие модернисты считали себя аполитичными. Другие, такие как Т.С. Элиот , отвергли массовую популярную культуру с консервативной позиции. Некоторые даже утверждают, что модернизм в литературе и искусстве поддерживал элитарную культуру, исключавшую большинство населения. [86]
Сюрреализм , зародившийся в начале 1920-х годов, стал рассматриваться общественностью как самая крайняя форма модернизма или «авангард модернизма». [87] Слово «сюрреалист» было придумано Гийомом Аполлинером и впервые появилось в предисловии к его пьесе « Les Mamelles de Tiresias» , которая была написана в 1903 году и впервые исполнена в 1917 году. Среди крупнейших сюрреалистов — Поль Элюар , Робер Деснос , [88] Макс Эрнст , Ганс Арп , Антонен Арто , Раймон Кено , Жоан Миро и Марсель Дюшан . [89]
К 1930 году модернизм завоевал место в истеблишменте, включая политический и художественный, хотя к этому времени сам модернизм изменился.
Модернизм продолжал развиваться в 1930-е годы. Между 1930 и 1932 годами композитор Арнольд Шенберг работал над « Моисеем и Ароном» , одной из первых опер , в которой использовалась техника двенадцати тонов . границы современного романа расширяются благодаря «Поминкам по Финнегану» . Также к 1930 году модернизм начал влиять на мейнстримную культуру, так что, например, журнал The New Yorker начал публиковать работы, находящиеся под влиянием модернизма, молодых писателей и юмористов, таких как Дороти Паркер , [91] Роберт Бенчли , Э.Б. Уайт , С.Дж. Перельман и Джеймс Тербер и другие. [92] Перельман высоко ценится за свои юмористические рассказы, которые он публиковал в журналах 1930-х и 1940-х годов, чаще всего в The New Yorker , которые считаются первыми образцами сюрреалистического юмора в Америке. [93] Современные идеи в искусстве также стали чаще появляться в рекламных роликах и логотипах, ранним примером которых, начиная с 1916 года, является знаменитый логотип лондонского метрополитена , разработанный Эдвардом Джонстоном . [94]
Одним из наиболее заметных изменений этого периода стало внедрение новых технологий в повседневную жизнь обычных людей в Западной Европе и Северной Америке. Электричество, телефон, радио, автомобиль – а также необходимость работать с ними, ремонтировать их и жить с ними – создали социальные изменения. Тот разрушительный момент, о котором знали лишь немногие в 1880-х годах, стал обычным явлением. Например, скорость общения, доступная биржевым маклерам 1890 года, стала частью семейной жизни, по крайней мере, среди среднего класса Северной Америки. В связи с урбанизацией и изменением социальных нравов семьи стали меньше, а отношения между родителями и детьми изменились.
Другим сильным влиянием в это время был марксизм . После в целом примитивистского/иррационалистского аспекта модернизма перед Первой мировой войной (который для многих модернистов исключал какую-либо привязанность к чисто политическим решениям) и неоклассицизма 1920 -х годов (наиболее известный из которых представлен Т.С. Элиотом и Игорем Стравинским , которые отвергали популярные решения современные проблемы), подъем фашизма , Великая депрессия и марш к войне способствовали радикализации поколения. Бертольт Брехт , У.Х. Оден , Андре Бретон , Луи Арагон и философы Антонио Грамши и Вальтер Беньямин являются, пожалуй, самыми известными образцами модернистской формы марксизма. Были, однако, и явно «правые» модернисты, в том числе Сальвадор Дали , Уиндем Льюис , Т.С. Элиот, Эзра Паунд , голландский писатель Менно тер Браак и другие. [95]
Значительные модернистские литературные произведения продолжали создаваться в 1920-х и 1930-х годах, включая дальнейшие романы Марселя Пруста , Вирджинии Вулф , Роберта Мюзиля и Дороти Ричардсон . Карьера американского драматурга-модерниста Юджина О'Нила началась в 1914 году, но его основные произведения появились в 1920-х, 1930-х и начале 1940-х годов. Двумя другими значительными драматургами-модернистами, писавшими в 1920-х и 1930-х годах, были Бертольт Брехт и Федерико Гарсиа Лорка . « Любовник леди Чаттерлей » Д.Х. Лоуренса был опубликован в частном порядке в 1928 году, а еще одной важной вехой в истории современного романа стала публикация в 1929 году « Шума и ярости» Уильяма Фолкнера . произведений Фолкнера, Сэмюэл Беккет опубликовал свое первое крупное произведение — роман «Мерфи» (1938). Затем в 1939 году появились «Поминки по Финнегану» Джеймса Джойса . Это написано на во многом своеобразном языке , состоящем из смеси стандартных английских лексических единиц , неологистических многоязычных каламбуров и слов -портманто , которые пытаются воссоздать опыт сна и сновидений. [96] Поэзию Т. С. Элиот, Э. Э. Каммингс и Уоллес Стивенс писали с 1920-х по 1950-е годы. В то время как модернистская поэзия на английском языке часто рассматривается как американский феномен, ведущими представителями которого являются Эзра Паунд, Т.С. Элиот, Марианна Мур , Уильям Карлос Уильямс , HD и Луи Зукофски , были важные британские поэты-модернисты, в том числе Дэвид Джонс , Хью МакДиармид , Бэзил Бантинг и У.Х. Оден . Европейские поэты-модернисты включают Федерико Гарсиа Лорку , Анну Ахматову , Константина Кавафи и Поля Валери .
Модернистское движение продолжалось в этот период в Советской России . В 1930 году состоялась премьера оперы композитора Дмитрия Шостаковича (1906–1975) «Нос» , в которой он использует монтаж разных стилей, в том числе народной музыки , популярной песни и атональности . Среди его влияния была опера Альбана Берга (1885–1935) « Воццек» (1925), которая «произвела огромное впечатление на Шостаковича, когда была поставлена в Ленинграде». [97] Однако с 1932 года социалистический реализм начал вытеснять модернизм в Советском Союзе, [98] а в 1936 году Шостакович подвергся нападкам и был вынужден отозвать свою 4-ю симфонию. [99] Альбан Берг написал еще одну значительную, хотя и неполную, модернистскую оперу « Лулу », премьера которой состоялась в 1937 году. Скрипичный концерт Берга был впервые исполнен в 1935 году. Как и Шостакович, другие композиторы столкнулись с трудностями в этот период.
В Германии Арнольд Шенберг (1874–1951) был вынужден бежать в США, когда Гитлер пришел к власти в 1933 году, из-за своего модернистского атонального стиля, а также из-за своего еврейского происхождения. [100] Его основные произведения этого периода — Скрипичный концерт , соч. 36 (1934/36) и Концерт для фортепиано с оркестром , соч. 42 (1942). Шёнберг также написал в этот период тональную музыку: Сюиту для струнных соль мажор (1935) и Камерную симфонию № 2 ми ♭ минор, соч. 38 (начато в 1906 г., завершено в 1939 г.). [100] За это время венгерский модернист Бела Барток (1881–1945) написал ряд крупных произведений, в том числе « Музыку для струнных, ударных и челесты» (1936), « Дивертисмент для струнного оркестра» (1939), « Струнный квартет № 5 » (1934). ) и № 6 (последний, 1939 г.). Но он тоже уехал в США в 1940 году из-за подъема фашизма в Венгрии. [100] Игорь Стравинский (1882–1971) продолжал писать в своем неоклассическом стиле в 1930-х и 1940-х годах, написав такие произведения, как « Симфония псалмов» (1930), «Симфония до мажор » (1940) и «Симфония в трех частях» (1945). Он также эмигрировал в США из-за Второй мировой войны. Оливье Мессиан (1908–1992), однако, служил во французской армии во время войны и был заключен немцами в тюрьму Шталаг VIII-А , где он сочинил свой знаменитый Quatuor pour la fin du temps («Квартет на конец времени»). ). Впервые квартет прозвучал в январе 1941 года перед аудиторией заключенных и тюремных надзирателей. [101]
В живописи 1920-х и 1930-х годов, а также во время Великой депрессии , модернизм определялся сюрреализмом , поздним кубизмом , Баухаузом , Де Стиджем , дадаизмом , немецким экспрессионизмом , а также модернистскими и мастерскими художниками-цветниками, такими как Анри Матисс и Пьер Боннар , а также абстракционистами. таких художников, как Пит Мондриан и Василий Кандинский , которые характеризовали европейскую художественную сцену. В Германии Макс Бекманн , Отто Дикс , Джордж Гросс и другие политизировали свои картины, предвещая начало Второй мировой войны, в то время как в Америке модернизм рассматривается в форме живописи «Американская сцена» , а также движений соцреализма и регионализма , которые содержали как политические и социальные комментарии доминировали в мире искусства. Такие художники, как Бен Шан , Томас Харт Бентон , Грант Вуд , Джордж Тукер , Джон Стюарт Карри , Реджинальд Марш и другие, стали известными. Модернизм в Латинской Америке определяют художники Хоакин Торрес-Гарсия из Уругвая и Руфино Тамайо из Мексики, в то время как движение монументалистов с Диего Риверой , Давидом Сикейросом , Хосе Клементе Ороско , Педро Нель Гомесом и Сантьяго Мартинесом Дельгадо , а также символистскими картинами Фриды Кало , начался ренессанс искусства региона, характеризующийся более свободным использованием цвета и упором на политические послания.
Диего Ривера, пожалуй, наиболее известен публике благодаря своей фреске 1933 года « Человек на распутье » в вестибюле здания RCA в Рокфеллер-центре . Когда его покровитель Нельсон Рокфеллер обнаружил, что на фреске изображен портрет Владимира Ленина и другие коммунистические образы, он уволил Риверу, а незаконченная работа была в конечном итоге уничтожена сотрудниками Рокфеллера. Работы Фриды Кало часто характеризуются резким изображением боли. Кало находилась под глубоким влиянием местной мексиканской культуры, что проявляется в ярких цветах и драматическом символизме ее картин. В ее работах также часто изображаются христианские и еврейские темы; она сочетала в себе элементы классической религиозной мексиканской традиции, которая часто была кровавой и жестокой. Символистские работы Фриды Кало тесно связаны с сюрреализмом и движением магического реализма в литературе.
Политическая активность была важной частью жизни Давида Сикейроса и часто вдохновляла его отказаться от творческой карьеры. Его искусство было глубоко укоренено в мексиканской революции . Период с 1920-х по 1950-е годы известен как Мексиканский Ренессанс, и Сикейрос активно пытался создать искусство, которое было бы одновременно мексиканским и универсальным. Молодой Джексон Поллок присутствовал на семинаре и помогал строить платформы для парада.
В 1930-х годах радикальная левая политика характеризовала многих художников, связанных с сюрреализмом, включая Пабло Пикассо . [102] 26 апреля 1937 года, во время гражданской войны в Испании , баскский город Герника подвергся бомбардировке Люфтваффе нацистской Германии. Немцы атаковали, чтобы поддержать усилия Франсиско Франко по свержению правительства Басков и испанского республиканского правительства. Пабло Пикассо нарисовал свою Гернику размером с фреску , чтобы увековечить ужасы бомбардировок.
Во время Великой депрессии 1930-х годов и в годы Второй мировой войны американское искусство характеризовалось соцреализмом и живописью американских сцен в работах Гранта Вуда , Эдварда Хоппера , Бена Шана , Томаса Харта Бентона и некоторых других. «Ночные ястребы» (1942) — картина Эдварда Хоппера, на которой изображены люди, сидящие поздно вечером в закусочной в центре города. Это не только самая известная картина Хоппера, но и одна из самых узнаваемых в американском искусстве. Сцена была вдохновлена закусочной в Гринвич-Виллидж . Хоппер начал рисовать ее сразу после нападения на Перл-Харбор . После этого события над страной царило большое ощущение уныния, ощущение, которое изображено на картине. Городская улица за пределами закусочной пуста, а внутри никто из трех посетителей, очевидно, не смотрит и не разговаривает с другими, а вместо этого погружен в свои мысли. Изображение современной городской жизни как пустой и одинокой — общая тема всех работ Хоппера.
«Американская готика» — картина Гранта Вуда 1930 года. На ней изображены фермер с вилами и молодая женщина перед домом в стиле плотницкой готики . Это одно из самых знакомых изображений в американском искусстве 20-го века . Искусствоведы положительно отозвались о картине; подобно Гертруде Стайн и Кристоферу Морли , они полагали, что картина должна была стать сатирой на жизнь маленького городка. Таким образом, это рассматривалось как часть тенденции ко все более критическому изображению сельской Америки по образцу « Уайнсбурга» Шервуда Андерсона 1919 года , Огайо , « Мэйн-стрит » Синклера Льюиса 1920 годаи «Татуированной графини » Карла Ван Вехтена в литературе. [103] Однако с началом Великой депрессии картина стала рассматриваться как изображение стойкого американского новаторского духа.
Положение художников в Европе в 1930-е годы резко ухудшилось по мере того, как росла власть нацистов в Германии и во всей Восточной Европе. Дегенеративное искусство — термин, принятый нацистским режимом в Германии практически для всего современного искусства . Такое искусство было запрещено на том основании, что оно носило антигерманский или еврейско-большевистский характер, а те, кого считали художниками-дегенератами, подвергались санкциям. В их число входило увольнение с преподавательских должностей, запрет на выставку или продажу своего искусства, а в некоторых случаях полный запрет на создание произведений искусства. «Дегенеративное искусство» также называлось на выставке, организованной нацистами в Мюнхене в 1937 году. Климат стал настолько враждебным для художников и искусства, связанного с модернизмом и абстракцией , что многие уехали в Америку. Немецкий художник Макс Бекманн и множество других бежали из Европы в Нью-Йорк. В Нью-Йорке новое поколение молодых и интересных художников-модернистов во главе с Аршилом Горки , Виллемом де Кунингом и другими только начинало взрослеть.
Портрет Аршила Горки человека, который мог бы быть Виллемом де Кунингом, является примером эволюции абстрактного экспрессионизма из контекста фигурной живописи, кубизма и сюрреализма. Вместе со своими друзьями де Кунингом и Джоном Д. Грэмом Горький создавал абстрактные фигуративные композиции биоморфной формы, которые к 1940-м годам превратились в полностью абстрактные картины. Работы Горького кажутся тщательным анализом памяти, эмоций и формы, используя линию и цвет для выражения чувств и природы.
Хотя Оксфордская энциклопедия британской литературы утверждает, что модернизм закончился ок. 1939 г. [104] относительно британской и американской литературы: «Когда (если) модернизм иссяк и начался постмодернизм, оспаривается почти так же горячо, как и тогда, когда произошел переход от викторианства к модернизму». [105] Клемент Гринберг считает, что модернизм закончится в 1930-х годах, за исключением изобразительного и исполнительского искусства, [31] но что касается музыки, Пол Гриффитс отмечает, что, хотя к концу 1920-х годов модернизм «казался исчерпанной силой» После Второй мировой войны «новое поколение композиторов — Булез , Барраке , Бэббит , Ноно , Штокхаузен , Ксенакис «возродили модернизм» » . Создание крупных работ . Термин « поздний модернизм » также иногда применяется к модернистским работам , опубликованным после 1930 года . , Уильям Фолкнер , Дороти Ричардсон , Джон Каупер Поуис и Эзра Паунд . Бэзил Бантинг , родившийся в 1901 году, опубликовал свою самую важную модернистскую поэму « Бриггфлаттс » в 1965 году. Кроме того, в 1945 году была опубликована книга Германа Броха « Смерть Вергилия » и Томас Манн. «Доктор Фауст» в 1947 году. Сэмюэля Беккета , умершего в 1989 году, называют «поздним модернистом». [109] Беккет — писатель, имеющий корни в экспрессионистской традиции модернизма, создавший произведения с 1930-х по 1980-е годы, в том числе « Моллой » (1951), « В ожидании Годо» (1953), «Счастливые дни » (1961) и «Рокаби » (1981). . Термины « минималистский » и « постмодернистский » также применялись к его более поздним работам. [110] Поэты Чарльз Олсон (1910–1970) и Дж. Х. Принн (род. 1936) относятся к числу писателей второй половины 20-го века, которых называют поздними модернистами. [111]
Совсем недавно термин «поздний модернизм» был переопределен по крайней мере одним критиком и стал использоваться для обозначения работ, написанных после 1945 года, а не 1930 года. При таком использовании возникает идея о том, что идеология модернизма была существенно изменена событиями 1945 года. Вторая мировая война, особенно Холокост и падение атомной бомбы. [112]
Послевоенный период вызвал потрясения в столицах Европы, требующие срочного экономического и физического восстановления, а также политической перегруппировки. В Париже (бывшем центре европейской культуры и бывшей столице мира искусства) климат для искусства был катастрофическим. Важные коллекционеры, дилеры и художники-модернисты, писатели и поэты бежали из Европы в Нью-Йорк и Америку. Сюрреалисты и современные художники из всех культурных центров Европы бежали от натиска нацистов и нашли убежище в Соединенных Штатах. Многие из тех, кто не бежал, погибли. Несколько художников, особенно Пабло Пикассо , Анри Матисс и Пьер Боннар , остались во Франции и выжили.
1940-е годы в Нью-Йорке ознаменовали триумф американского абстрактного экспрессионизма , модернистского движения, которое объединило уроки, извлеченные из Анри Матисса, Пабло Пикассо, сюрреализма, Жоана Миро , кубизма, фовизма и раннего модернизма через великих учителей в Америке, таких как Ганс Хофманн и Джон. Д. Грэм . Американские художники извлекли выгоду из присутствия Пита Мондриана , Фернана Леже , Макса Эрнста и группы Андре Бретона , галереи Пьера Матисса и галереи Пегги Гуггенхайм «Искусство этого века» , а также других факторов.
Более того, Париж вернул себе большую часть своего блеска в 1950-х и 60-х годах как центр расцвета машинного искусства: оба ведущих скульптора машинного искусства Жан Тэнгли и Николя Шёффер переехали туда, чтобы начать свою карьеру, и этот расцвет в свете техноцентрического характера современной жизни, вполне может иметь особенно продолжительное влияние. [113]
Термин « Театр абсурда » применяется к пьесам, написанным преимущественно европейцами, которые выражают убеждение, что человеческое существование не имеет смысла и цели и поэтому всякое общение прекращается. Логическое построение и аргументация уступают место иррациональной и нелогичной речи и, в конечном итоге, молчанию. [114] Хотя существуют значительные предшественники, в том числе Альфред Джарри (1873–1907), Театр абсурда обычно рассматривается как начало 1950-х годов с пьес Сэмюэля Беккета .
Критик Мартин Эсслин ввел этот термин в своем эссе 1960 года «Театр абсурда». Он связал эти пьесы, основываясь на широкой теме абсурда, подобно тому, как Альбер Камю использует этот термин в своем эссе 1942 года « Миф о Сизифе» . [115] Абсурд в этих пьесах принимает форму реакции человека на мир, очевидно лишенный смысла, и/или человека как марионетку, контролируемую или находящуюся под угрозой со стороны невидимых внешних сил. Хотя этот термин применяется к широкому кругу пьес, некоторые характеристики совпадают во многих пьесах: широкая комедия, часто похожая на водевиль , смешанная с ужасающими или трагическими образами; персонажи, попавшие в безвыходную ситуацию, вынуждены совершать повторяющиеся или бессмысленные действия; диалоги, полные клише, игры слов и ерунды; сюжеты цикличны или абсурдно обширны; либо пародия, либо отказ от реализма и концепции « хорошо сделанной пьесы ».
Драматурги, обычно связанные с Театром абсурда, включают Сэмюэля Беккета (1906–1989), Эжена Ионеско (1909–1994), Жана Жене (1910–1986), Гарольда Пинтера (1930–2008), Тома Стоппарда (род. 1937), Александра . Введенский (1904–1941), Даниил Хармс (1905–1942), Фридрих Дюрренматт (1921–1990), Алехандро Ходоровски (1929 г.р.), Фернандо Аррабаль (1932 г.р.), Вацлав Гавел (1936–2011) и Эдвард Олби (1928–1928–1928 гг.) 2016).
В конце 1940-х годов радикальный подход Джексона Поллока к живописи произвел революцию в возможностях всего современного искусства , последовавшего за ним. В какой-то степени Поллок осознавал, что путь к созданию произведения искусства так же важен, как и само произведение искусства. Подобно новаторскому переосмыслению живописи и скульптуры Пабло Пикассо в начале 20-го века посредством кубизма и построенной скульптуры , Поллок переопределил способ создания искусства. Его отход от станковой живописи и условностей стал сигналом освобождения для художников его эпохи и всех, кто пришел после них. Художники поняли, что процесс Джексона Поллока — размещение нерастянутого необработанного холста на полу, где его можно было атаковать со всех четырех сторон, используя художественные и промышленные материалы; капание и выбрасывание линейных мотков краски; рисование, окрашивание и кисть; использование образов и не-образов – по сути, это вытеснение искусства за пределы любых предшествующих границ. Абстрактный экспрессионизм в целом расширил и развил определения и возможности, доступные художникам для создания новых произведений искусства. Другие абстрактные экспрессионисты последовали за прорывом Поллока и сделали новые открытия. В каком-то смысле инновации Джексона Поллока, Виллема де Кунинга , Франца Клайна , Марка Ротко , Филипа Гастона , Ганса Хофмана , Клиффорда Стилла , Барнетта Ньюмана , Эда Рейнхардта , Роберта Мазервелла , Питера Вулкоса и других открыли шлюзы для разнообразия и масштабов все искусство, которое последовало за ними. Перечитывание абстрактного искусства такими историками искусства, как Линда Нохлин , [116] Гризельда Поллок [117] и Кэтрин де Зегер [118] критически показывают, однако, что женщины-художницы-первопроходцы, создавшие важные инновации в современном искусстве, игнорировались официальными отчетами его история.
Генри Мур (1898–1986) стал после Второй мировой войны ведущим скульптором Великобритании . Он был наиболее известен своими полуабстрактными монументальными бронзовыми скульптурами, которые расположены по всему миру как общественные произведения искусства. Его формы обычно представляют собой абстракции человеческой фигуры, обычно изображающие мать и ребенка или лежащие фигуры, обычно напоминающие женское тело, за исключением периода 1950-х годов, когда он лепил семейные группы. Его формы обычно пронизаны или содержат полые пространства.
В 1950-х годах Мур начал получать все более значительные заказы, в том числе полулежащую фигуру для здания ЮНЕСКО в Париже в 1958 году . [119] Благодаря появлению большего количества публичных произведений искусства масштаб скульптур Мура значительно вырос. Последние три десятилетия жизни Мура продолжались в том же духе: по всему миру проходило несколько крупных ретроспектив, в частности, выдающаяся выставка летом 1972 года на территории Форте ди Бельведер с видом на Флоренцию . К концу 1970-х годов его работы проводили около 40 выставок в год. В кампусе Чикагского университета в декабре 1967 года, через 25 лет с точностью до минуты после того, как группа физиков под руководством Энрико Ферми достигла первой управляемой самоподдерживающейся цепной ядерной реакции, была представлена ядерная энергия Мура. [120] [121] Также в Чикаго Мур почтил память науки большими бронзовыми солнечными часами с местным названием « Человек входит в космос» (1980), которые были заказаны в знак признания программы исследования космоса . [122]
«Лондонская школа» художников-фигуративистов, в том числе Фрэнсиса Бэкона (1909–1992), Люсьена Фрейда ( 1922–2011), Франка Ауэрбаха (1931 г.р.), Леона Коссоффа (1926 г.р.) и Майкла Эндрюса (1928–1995 гг.), получил широкое международное признание. [123]
Фрэнсис Бэкон был британским художником-фигуративом ирландского происхождения, известным своими смелыми, графическими и эмоционально грубыми образами. [124] Его живописные, но абстрактные фигуры обычно кажутся изолированными в стеклянных или стальных геометрических клетках на плоском, невзрачном фоне. Бэкон начал рисовать, когда ему было чуть больше 20, но до 30 лет работал лишь время от времени. Его прорыв произошел в 1944 году с триптихом «Три этюда фигур у подножия распятия», который закрепил за ним репутацию уникально мрачного летописца человеческого существования. [125] Его работы можно грубо описать как состоящие из последовательностей или вариаций одного мотива; начиная с мужских голов 1940-х годов, изолированных в комнатах, кричащих пап в начале 1950-х годов, а также животных и одиноких фигур середины и конца 1950-х годов, подвешенных в геометрических конструкциях. За ними последовали его современные вариации распятия начала 1960-х годов в формате триптиха. С середины 1960-х до начала 1970-х годов Бэкон в основном создавал поразительно сострадательные портреты друзей. После самоубийства его возлюбленного Джорджа Дайера в 1971 году его искусство стало более личным, обращенным вовнутрь и озабочено темами и мотивами смерти. При жизни Бэкона одинаково ругали и хвалили. [126]
Люсьен Фрейд был британским художником немецкого происхождения, известным главным образом своими портретами и фигурами , покрытыми густыми импастами, и широко считался выдающимся британским художником своего времени. [127] [128] [129] [130] Его работы известны своей психологической проникновенностью и зачастую неприятным исследованием отношений между художником и моделью. [131] По словам Уильяма Граймса из «Нью-Йорк Таймс» , «Люсьен Фрейд и его современники преобразовали фигурную живопись в 20-м веке. В таких картинах, как « Девушка с белой собакой» (1951–1952), [132] Фрейд использовал изобразительный язык традиционная европейская живопись на службе антиромантического, конфронтационного стиля портретной живописи, обнажающего социальный фасад натурщика. Обычные люди - многие из них его друзья - смотрели с холста широко раскрытыми глазами, уязвимые для безжалостного взгляда художника». [127]
В абстрактной живописи в течение 1950-х и 1960-х годов в художественных студиях и радикальных авангардных кругах начали появляться несколько новых направлений, таких как жёсткая живопись и другие формы геометрической абстракции, как реакция на субъективизм абстрактного экспрессионизма. Клемент Гринберг стал голосом постживописной абстракции , когда в 1964 году он курировал влиятельную выставку новой живописи, которая посетила важные художественные музеи США. Живопись цветового поля , живопись с жесткими краями и лирическая абстракция [133] возникли как радикально новые направления. .
Однако к концу 1960-х годов постминимализм , процесс-арт и Arte Povera [134] также возникли как революционные концепции и движения, которые охватывали как живопись, так и скульптуру, через лирическую абстракцию и постминималистское движение, а также в раннем концептуальном искусстве . [134] Процессуальное искусство, вдохновленное Поллоком, позволило художникам экспериментировать и использовать разнообразную энциклопедию стиля, содержания, материала, размещения, чувства времени, пластики и реального пространства. Нэнси Грейвз , Рональд Дэвис , Ховард Ходжкин , Ларри Пунс , Дженнис Кунеллис , Брайс Марден , Колин МакКэхон , Брюс Науман , Ричард Таттл , Алан Сарет , Уолтер Дэрби Баннард , Линда Бенглис , Дэн Кристенсен , Ларри Зокс , Ронни Лэндфилд , Ева Хессе , Кит Соннье , Ричард Серра , Пэт Липски , Сэм Гиллиам , Марио Мерц и Питер Реджинато были одними из молодых художников, появившихся в эпоху позднего модернизма , породившую расцвет искусства конца 1960-х годов. [135]
В 1962 году галерея Сидни Джениса организовала «Новые реалисты» , первую крупную групповую выставку поп-арта в художественной галерее на окраине Нью-Йорка. Дженис разместил выставку в витрине магазина на 57-й улице рядом со своей галереей. Шоу вызвало шок в нью-йоркской школе и разошлось по всему миру. Ранее в Англии, в 1958 году , Лоуренс Аллоуэй использовал термин «поп-арт» для описания картин, прославляющих потребительство эпохи после Второй мировой войны. Это движение отвергло абстрактный экспрессионизм и его акцент на герменевтическом и психологическом интерьере в пользу искусства, которое изображало и часто прославляло материальную потребительскую культуру, рекламу и иконографию эпохи массового производства. Ранние работы Дэвида Хокни и работы Ричарда Гамильтона и Эдуардо Паолоцци (создавших новаторскую книгу «Я был игрушкой богатого человека» , 1947) считаются плодотворными примерами этого движения. Тем временем в центре Нью-Йорка, в галереях на 10-й улице Ист-Виллидж , художники формулировали американскую версию поп-арта. У Класа Ольденбурга была своя витрина, а в Зеленой галерее на 57-й улице начали показывать работы Тома Вессельмана и Джеймса Розенквиста . Позже Лео Кастелли на протяжении большей части своей карьеры выставлял работы других американских художников, в том числе Энди Уорхола и Роя Лихтенштейна . Существует связь между радикальными работами Марселя Дюшана и Мана Рэя , бунтующих дадаистов с чувством юмора, и поп-художниками, такими как Клаас Ольденбург, Энди Уорхол и Рой Лихтенштейн, чьи картины воспроизводят вид точек Бен-Дэя , техника, используемая при коммерческом воспроизведении.
Минимализм описывает движения в различных формах искусства и дизайна, особенно в изобразительном искусстве и музыке , где художники намереваются раскрыть сущность или идентичность предмета путем устранения всех несущественных форм, особенностей или концепций. Минимализм — это любой дизайн или стиль, в котором для создания максимального эффекта используются самые простые и наименьшие элементы.
Как специфическое движение в искусстве оно отождествляется с развитием западного искусства после Второй мировой войны, особенно с американским изобразительным искусством 1960-х и начала 1970-х годов. Среди выдающихся художников, связанных с этим движением, — Дональд Джадд , Джон Маккракен , Агнес Мартин , Дэн Флавин , Роберт Моррис , Рональд Бладен , Энн Труитт и Фрэнк Стелла . [136] Он вытекает из редуктивных аспектов модернизма и часто интерпретируется как реакция на абстрактный экспрессионизм и мост к практикам постминималистского искусства. К началу 1960-х годов минимализм возник как абстрактное движение в искусстве (с корнями в геометрической абстракции Казимира Малевича , [137] Баухауса и Пита Мондриана ), которое отвергало идею реляционной и субъективной живописи, сложности абстрактных экспрессионистских поверхностей и эмоциональный дух времени и полемика, присутствующие на арене живописи действия . Минимализм утверждал, что крайняя простота может воплотить в себе все возвышенные представления, необходимые в искусстве. Минимализм по-разному истолковывается либо как предшественник постмодернизма , либо как само постмодернистское движение. С точки зрения последней точки зрения, ранний минимализм породил передовые модернистские работы, но движение частично отказалось от этого направления, когда некоторые художники, такие как Роберт Моррис, изменили направление в пользу движения против формы .
Хэл Фостер в своем эссе «Суть минимализма» [ 138] исследует степень, в которой Дональд Джадд и Роберт Моррис одновременно признают и превосходят гринберговский модернизм в своих опубликованных определениях минимализма. [138] Он утверждает, что минимализм — это не «тупик» модернизма, а «сдвиг парадигмы в сторону постмодернистских практик, которые продолжают разрабатываться и сегодня». [138]
Термины расширились и теперь охватывают движение в музыке, которое включает такие повторения и итерации, как композиции Ла Монте Янга , Терри Райли , Стива Райха , Филипа Гласса и Джона Адамса . Минималистские композиции иногда называют системной музыкой . Термин «минимальная музыка» обычно используется для описания стиля музыки, развившегося в Америке в конце 1960-х и 1970-х годах; и это изначально было связано с композиторами. [139] В движении минимализма изначально участвовали некоторые композиторы, а среди других менее известных пионеров - Полин Оливерос , Фил Ниблок и Ричард Максфилд . В Европе звучит музыка Луиса Андриссена , Карела Гойвартса , Майкла Наймана , Говарда Скемптона , Элианы Радиг , Гэвина Брайарса , Стива Мартланда , Хенрика Гурецкого , Арво Пярта и Джона Тавенера .
В конце 1960-х годов Роберт Пинкус-Виттен [134] ввёл термин « постминимализм » для описания искусства, основанного на минимализме, которое имело содержательный и контекстуальный подтекст, отвергаемый минимализмом. Термин был применен Пинкусом-Уиттеном к работам Евы Гессе , Кейта Сонньера , Ричарда Серры и новым работам бывших минималистов Роберта Смитсона , Роберта Морриса , Сола Левитта , Барри Ле Ва и других. Другие минималисты, в том числе Дональд Джадд , Дэн Флавин , Карл Андре , Агнес Мартин , Джон Маккракен и другие, продолжали создавать картины и скульптуры позднего модернизма до конца своей карьеры.
С тех пор многие художники перешли к минималистическому или постминимальному стилю, и к ним прикрепился ярлык «Постмодерн».
С абстрактным экспрессионизмом связано появление сочетания промышленных изделий с художественными материалами, отходя от прежних традиций живописи и скульптуры. Работа Роберта Раушенберга иллюстрирует эту тенденцию. Его «комбайны» 1950-х годов были предшественниками поп-арта и искусства инсталляции и использовали сборки крупных физических объектов, включая чучела животных, птиц и коммерческие фотографии. Раушенберг, Джаспер Джонс , Ларри Риверс , Джон Чемберлен , Клаас Ольденбург , Джордж Сигал , Джим Дайн и Эдвард Кинхольц были среди важных пионеров абстракции и поп-арта. Создавая новые традиции художественного творчества, они сделали приемлемым в серьезных кругах современного искусства радикальное включение в свои работы необычных материалов. Другим пионером коллажа был Джозеф Корнелл , чьи более масштабные работы считались радикальными как из-за его личной иконографии, так и из-за использования найденных предметов .
В начале 20 века Марсель Дюшан представил на выставку писсуар в виде скульптуры. [140] Он заявил о своем намерении, чтобы люди смотрели на писсуар, как на произведение искусства, потому что, по его словам, это было произведение искусства. Свою работу он называл « реди-мейдами ». Фонтан представлял собой писсуар, подписанный псевдонимом «Р. Матт», выставка которого потрясла мир искусства в 1917 году. Эту и другие работы Дюшана обычно называют дадаизмом. Дюшана можно рассматривать как предшественника концептуального искусства, другими известными примерами являются « 4 фута 33 дюйма» Джона Кейджа , что составляет четыре минуты тридцать три секунды тишины, и « Стертый рисунок де Кунинга» Раушенберга . Многие концептуальные работы исходят из того, что искусство является результатом просмотра зрителем объекта или действия как искусства, а не внутренних качеств самого произведения. Выбрав «обычный предмет жизни» и создав «новую мысль для этого объекта», Дюшан предложил зрителям увидеть « Фонтан» как скульптуру. [141]
Марсель Дюшан, как известно, отказался от «искусства» в пользу шахмат . Композитор-авангардист Дэвид Тюдор создал произведение « Воссоединение» (1968), написанное совместно с Лоуэллом Кроссом, в котором представлена шахматная партия, в которой каждый ход вызывает световой эффект или проекцию. Дюшан и Кейдж играли в эту игру на премьере произведения. [142]
Стивен Бест и Дуглас Келлнер идентифицируют Раушенберга и Джаспера Джонса как часть переходной фазы, находящейся под влиянием Дюшана, между модернизмом и постмодернизмом. Оба использовали в своих работах изображения обычных предметов или самих предметов, сохраняя при этом абстракцию и живописные жесты высокого модернизма. [143]
В конце 1950-х и 1960-х годах художники с широким кругом интересов начали расширять границы современного искусства. Ив Кляйн во Франции, Кэрол Шнеманн , Яёи Кусама , Шарлотта Мурман и Йоко Оно в Нью-Йорке, а также Йозеф Бойс , Вольф Фостелл и Нам Джун Пайк в Германии были пионерами произведений искусства, основанных на перформансе. Такие группы, как «Живой театр» с Джулианом Беком и Джудит Малина, сотрудничали со скульпторами и художниками, создавая среду, радикально меняя отношения между аудиторией и исполнителем, особенно в их произведении «Рай сейчас ». Театр танца Джадсона , расположенный в Мемориальной церкви Джадсона , Нью-Йорк; и танцоры Джадсона, особенно Ивонн Райнер , Триша Браун , Элейн Саммерс , Салли Гросс, Симонна Форти, Дебора Хэй , Люсинда Чайлдс , Стив Пэкстон и другие; сотрудничал с художниками Робертом Моррисом , Робертом Уитменом , Джоном Кейджем , Робертом Раушенбергом и такими инженерами, как Билли Клювер . Галерея Park Place была центром музыкальных выступлений электронных композиторов Стива Райха , Филипа Гласса и других известных исполнителей, включая Джоан Джонас .
Эти представления были задуманы как произведения новой формы искусства, сочетающей скульптуру, танец и музыку или звук, часто с участием публики. Для них характерны редуктивная философия минимализма, спонтанная импровизация и экспрессивность абстрактного экспрессионизма. Изображения исполнения Шнееман произведений, призванных шокировать, иногда используются для иллюстрации этих видов искусства, и ее часто фотографируют во время исполнения своего произведения « Внутренний свиток» . Однако, согласно модернистской философии перформанса, публиковать изображения ее исполнения этого произведения противоречит целям, поскольку художники-перформансы полностью отвергают публикацию: перформанс сам по себе является средством. Таким образом, другие средства массовой информации не могут иллюстрировать перформанс; перформанс кратковременный, мимолетный и личный, его нельзя запечатлеть; представления исполнительского искусства в других средствах массовой информации, будь то изображение, видео, повествование или иным образом, выбирают определенные точки зрения в пространстве или времени или иным образом предполагают присущие каждому средству ограничения. Артисты отрицают, что записи иллюстрируют перформанс как искусство.
В тот же период различные художники-авангардисты создавали хеппенинги — загадочные, часто спонтанные и незапланированные собрания художников, их друзей и родственников в различных определенных местах, часто включающие в себя упражнения на абсурдность, телесность, костюмы, спонтанную наготу и различные случайные или, казалось бы, кажущиеся событиями. разрозненные действия. Среди известных создателей хеппенингов были Аллан Капроу , который впервые использовал этот термин в 1958 году, [145] Клас Ольденбург , Джим Дайн , Ред Грумс и Роберт Уитмен . [146]
Другая тенденция в искусстве, связанная с термином «постмодерн», — это совместное использование нескольких различных средств массовой информации. Интермедиа — это термин, придуманный Диком Хиггинсом и предназначенный для обозначения новых форм искусства, таких как Fluxus , конкретная поэзия , найденные объекты , перформанс и компьютерное искусство . Хиггинс был издателем Something Else Press , конкретным поэтом, женатым на художнице Элисон Ноулз и поклонником Марселя Дюшана . Ихаб Хасан включает «Интермедиа, слияние форм, смешение миров» в свой список характеристик постмодернистского искусства . [147] Одной из наиболее распространенных форм «мультимедийного искусства» является использование видеокассет и ЭЛТ-мониторов, называемое видеоартом . Хотя теория объединения нескольких искусств в одно искусство довольно старая и периодически возрождается, постмодернистское проявление часто сочетается с перформансом, где драматический подтекст удаляется, и остаются лишь конкретные высказывания художника в вопрос или концептуальное изложение своего действия.
Fluxus был назван и организован в 1962 году Джорджем Мачюнасом (1931–1978), американским художником литовского происхождения. Fluxus берет свое начало с занятий Джона Кейджа по экспериментальной композиции в Новой школе социальных исследований в Нью-Йорке с 1957 по 1959 год. Многие из его учеников были художниками, работавшими в других СМИ, практически не имеющими музыкального образования. Среди учеников Кейджа были члены-основатели Fluxus Джексон Мак Лоу , Эл Хансен , Джордж Брехт и Дик Хиггинс .
Fluxus поощрял эстетику «сделай сам» и ценил простоту выше сложности. Как и дадаизм до него, «Флюксус» включал в себя сильное течение антикоммерциализма и антиискусственную чувствительность, пренебрегая традиционным рыночным миром искусства в пользу творческой практики, ориентированной на художника. Художники Fluxus предпочитали работать с любыми материалами, которые были под рукой, и либо создавали свои собственные работы, либо сотрудничали в процессе создания со своими коллегами.
Андреас Хюссен критикует попытки объявить Флюксус постмодернизмом «либо генеральным кодом постмодернизма, либо совершенно непредставимым художественным движением - как бы возвышенным постмодернизмом». [148] Вместо этого он рассматривает Флюксус как главный неодадаистский феномен в рамках авангардной традиции. Это не представляло собой серьезного прогресса в развитии художественных стратегий, хотя и выражало бунт против «управляемой культуры 1950-х годов, в которой умеренный, прирученный модернизм служил идеологической опорой холодной войны » . [148]
Модернизм имел непростые отношения с популярными формами музыки (как по форме, так и по эстетике), отвергая при этом массовую культуру . [149] Несмотря на это, Стравинский использовал джазовые идиомы в своих произведениях, таких как «Рэгтайм» из его театральной работы 1918 года « История солдата» и «Эбеновый концерт» 1945 года . [150]
В 1960-х годах, когда популярная музыка начала приобретать культурное значение и подвергать сомнению свой статус коммерческого развлечения, музыканты начали искать вдохновение в послевоенном авангарде. [151] В 1959 году музыкальный продюсер Джо Мик записал «I Hear a New World» (1960), который Джонатан Патрик в Tiny Mix Tapes называет «историческим моментом как в электронной музыке, так и в истории авангард-попа [...] сборник мечтательных поп-виньетки, украшенные дабби- эхо и деформированными звуковыми завитками», которые в то время по большей части игнорировались. [152] Другие ранние авангардные произведения включали песню Битлз 1966 года « Tomorrow Never Knows », которая объединила приемы конкретной музыки , авангардные композиции, индийскую музыку и электроакустические звуковые манипуляции в трехминутном поп-формате. и интеграция Velvet Underground идей минимализма и дроновой музыки Ла Монте Янга , бит -поэзии и поп-арта 1960-х годов. [151]
Продолжение абстрактного экспрессионизма , живописи цветового поля , лирической абстракции , геометрической абстракции , минимализма , абстрактного иллюзионизма , процесс-арта , поп-арта , постминимализма и других модернистских движений конца 20-го века как в живописи, так и в скульптуре продолжалось в течение первого десятилетия 21-го века. века и представляют собой радикально новые направления в этих средах. [153] [154] [155]
На рубеже 21-го века такие известные художники, как сэр Энтони Каро , Люсьен Фрейд , Сай Твомбли , Роберт Раушенберг , Джаспер Джонс , Агнес Мартин , Эл Хелд , Эллсуорт Келли , Хелен Франкенталер , Фрэнк Стелла , Кеннет Ноланд , Жюль Олицки , Клас Ольденбург , Джим Дайн , Джеймс Розенквист , Алекс Кац , Филип Перлштейн и молодые художники , включая Брайса Мардена , Чака Клоуза , Сэма Гиллиама , Исаака Уиткина , Шона Скалли , Махирвана Мамтани , Джозефа Нечватала , Элизабет Мюррей , Ларри Пунса , Ричарда Серра , Уолтер Дарби Баннард , Ларри Зокс , Ронни Лэндфилд , Рональд Дэвис , Дэн Кристенсен , Пэт Липски , Джоэл Шапиро , Том Оттернесс , Джоан Снайдер , Росс Блекнер , Арчи Рэнд , Сьюзен Крайл и другие продолжали создавать жизненно важные и влиятельные картины и скульптуры.
Многие небоскребы в Гонконге и Франкфурте были вдохновлены Ле Корбюзье и модернистской архитектурой , и его стиль до сих пор используется при строительстве зданий по всему миру. [156]
Питер Каллини предполагает, что «модернистские концепции, особенно эстетическая автономия, имели основополагающее значение для литературы о деколонизации в англоязычной Африке». [157] По его мнению, Раджат Неоги , Кристофер Окигбо и Воле Сойинка были среди писателей, которые «перепрофилировали модернистские версии эстетической автономии, чтобы провозгласить свою свободу от колониального рабства, от систем расовой дискриминации и даже от нового постколониального государства». ". [158]
Термины «модернизм» и «модернист», по словам ученого Уильяма Дж. Тайлера, «только недавно стали частью стандартного английского дискурса о современной японской литературе, и сомнения относительно их аутентичности по сравнению с западноевропейским модернизмом остаются». Тайлер находит это странным, учитывая «явно современную прозу» таких «известных японских писателей, как Кавабата Ясунари , Нагай Кафу и Дзюнъитиро Танидзаки ». Однако «ученые в области изобразительного и изобразительного искусства, архитектуры и поэзии с готовностью приняли «моданизуму» как ключевую концепцию для описания и анализа японской культуры 1920-х и 1930-х годов». [159] В 1924 году различные молодые японские писатели, в том числе Кавабата и Риичи Ёкомицу, основали литературный журнал « Бунгей Дзидай» («Век искусства»). Этот журнал был «частью движения « искусство ради искусства », находящегося под влиянием европейского кубизма, экспрессионизма, дадаизма и других модернистских стилей». [160]
Японский архитектор -модернист Кензо Танге (1913–2005) был одним из самых значительных архитекторов 20-го века, сочетая традиционные японские стили с модернизмом и проектируя крупные здания на пяти континентах. Танге также был влиятельным покровителем метаболистского движения . Он сказал: «Я думаю, что примерно в 1959 году или в начале шестидесятых годов я начал думать о том, что я позже назвал структурализмом », [161] С раннего возраста он находился под влиянием швейцарского модерниста Ле Корбюзье , Танге получил международное признание в 1949 году, когда выиграл конкурс на проект Мемориального парка мира в Хиросиме .
В Китае « Новые сенсации » (新感觉派, Xīn Gǎnjué Pài) представляли собой группу писателей, базирующихся в Шанхае, которые в 1930-х и 1940-х годах находились под влиянием, в разной степени, западного и японского модернизма. Они писали художественную литературу, которая больше касалась бессознательного и эстетики, чем политики или социальных проблем. Среди этих писателей были Му Шиин и Ши Чжецунь .
В Индии Группа прогрессивных художников представляла собой группу современных художников , в основном базирующуюся в Мумбаи , Индия , образованную в 1947 году. Хотя ей не хватало какого-либо определенного стиля, она синтезировала индийское искусство с влиянием Европы и Северной Америки первой половины 20-го века. , включая постимпрессионизм, кубизм и экспрессионизм.
К началу 1980-х годов движение постмодернизма в искусстве и архитектуре начало утверждать свои позиции через различные концептуальные и промежуточные форматы. Постмодернизм в музыке и литературе начал утверждаться раньше. В музыке постмодернизм описывается в одном справочнике как «термин, введенный в 1970-е годы», [162] тогда как в британской литературе, согласно Оксфордской энциклопедии британской литературы , модернизм «уступает свое господство постмодернизму» уже в 1939 году. [104 ] Однако даты весьма спорны, тем более, что, по словам Андреаса Гюйссена : «Постмодернизм одного критика - это модернизм другого критика». [163] Сюда входят те, кто критикует разделение между ними и рассматривает их как два аспекта одного и того же движения, а также считает, что поздний модернизм продолжается. [163]
Модернизм — это всеобъемлющий ярлык для самых разных культурных движений. Постмодернизм — это, по сути, централизованное движение, которое назвало себя на основе социально-политической теории, хотя теперь этот термин используется в более широком смысле для обозначения деятельности, начиная с 20-го века, которая демонстрирует осознание и переосмысление современности. [164] [165] [166]
Теория постмодерна утверждает, что попытка канонизировать модернизм «постфактум» обречена на недвусмысленные противоречия. [167]
В более узком смысле то, что было модернистским, не обязательно было также постмодернистским. Те элементы модернизма, которые подчеркивали преимущества рациональности и социально-технологического прогресса, были только модернистскими. [168]
Модернистские реакции против постмодернизма включают ремодернизм , который отвергает цинизм и деконструкцию постмодернистского искусства в пользу возрождения ранних модернистских эстетических течений. [169] [170]
Акцент модернизма на свободе самовыражения , экспериментировании, радикализме и примитивизме игнорирует традиционные ожидания. Во многих видах искусства это часто означало потрясение и отчуждение аудитории причудливыми и непредсказуемыми эффектами, как, например, в странных и тревожных сочетаниях мотивов в сюрреализме или в использовании крайнего диссонанса и атональности в модернистской музыке. В литературе это часто включало отказ от понятных сюжетов или характеристик в романах или создание стихов, не поддающихся четкой интерпретации. В католической церкви призрак протестантизма и Мартина Лютера играл роль в тревогах по поводу модернизма и представления о том, что доктрина развивается и меняется с течением времени. [171]
С 1932 года социалистический реализм начал вытеснять модернизм в Советском Союзе; [98] ранее он поддерживал футуризм и конструктивизм . Нацистское правительство Германии считало модернизм нарциссическим и бессмысленным, а также «еврейским» (см. Антисемитизм ) и « негритянским». [172] Нацисты выставляли модернистские картины наряду с работами душевнобольных на выставке под названием « Дегенеративное искусство ». Обвинения в «формализме» могут привести к концу карьеры или еще хуже. По этой причине многие модернисты послевоенного поколения считали себя самым важным оплотом против тоталитаризма, « канарейкой в угольной шахте », чьи репрессии со стороны правительства или другой группы, обладающей предполагаемой властью, представляли собой предупреждение о том, что индивидуальные свободы находятся под угрозой. Луи А. Сасс сравнил безумие, особенно шизофрению , и модернизм в менее фашистской манере, отметив их общие разрозненные повествования, сюрреалистические образы и бессвязность. [173]
Фактически модернизм процветал главным образом в потребительских/капиталистических обществах, несмотря на то, что его сторонники часто отвергали сам потребительский подход. Однако после Второй мировой войны, особенно в 1960-е годы, высокий модернизм начал сливаться с потребительской культурой. Модернистские устройства также начали появляться в популярном кино, а затем и в музыкальных клипах. Модернистский дизайн также начал входить в мейнстрим популярной культуры, поскольку стали популярными упрощенные и стилизованные формы, часто связанные с мечтами о будущем высоких технологий космической эры . [174] [175]
В 2008 году Джанет Беннетт опубликовала « Современность и ее критики в Оксфордском справочнике политической теории». [176] Слияние потребительской и высокой версий модернистской культуры привело к радикальной трансформации значения понятия «модернизм». Во-первых, это подразумевало, что движение, основанное на отказе от традиции, само по себе стало традицией. Во-вторых, это продемонстрировало, что различие между элитарной модернистской и массовой потребительской культурой утратило свою четкость. Модернизм стал настолько институционализированным, что теперь стал «поставангардом», что указывает на то, что он утратил свою силу как революционное движение. Многие интерпретировали эту трансформацию как начало фазы, которая стала известна как постмодернизм . Для других, таких как искусствовед Роберт Хьюз , постмодернизм представляет собой продолжение модернизма.
«Антимодернистские» или «контрмодернистские» движения стремятся подчеркнуть холизм , связь и духовность как лекарство или противоядие от модернизма. Такие движения рассматривают модернизм как редукционистский и, следовательно, неспособный увидеть системные и возникающие эффекты.
Некоторые художники-традиционалисты, такие как Александр Стоддарт, вообще отвергают модернизм как продукт «эпохи фальшивых денег в сочетании с ложной культурой». [177]
В некоторых областях влияние модернизма остается более сильным и стойким, чем в других. Визуальное искусство совершило наиболее полный разрыв со своим прошлым. В большинстве крупных столиц есть музеи , посвященные современному искусству, в отличие от искусства постренессансного искусства ( около 1400–1900 гг . ). Примеры включают Музей современного искусства в Нью-Йорке, Тейт Модерн в Лондоне и Центр Помпиду в Париже. Эти галереи не делают различия между модернистской и постмодернистской фазами, рассматривая обе фазы как развитие современного искусства.
Мис ван дер Роэ, один из величайших деятелей архитектуры 20-го века.
{{cite book}}: CS1 maint: отсутствует местоположение издателя ( ссылка )
